BE MY GUEST, 28. Oktober 2016

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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Stephanie Weber, Kuratorin der Ausstellung FAVORITEN III: Neue Kunst aus München, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Foto: Lenbachhaus, 2016



BE MY GUEST, 27. Oktober 2016

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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, CRICKET, Foto: Lenbachhaus, 2016
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<BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, CRICKET, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, CRICKET, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, CRICKET, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, NoFutureKomplex, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, NoFutureKomplex, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, NoFutureKomplex, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, NoFutureKomplex, Mitra Wakil, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Eva Huttenlauch, Kuratorin der Ausstellung FAVORITEN III: Neue Kunst aus München, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Führung durch das Archiv forum homosexualität münchen mit Philipp Gufler, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Führung durch das Archiv forum homosexualität münchen mit Philipp Gufler, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Führung durch das Archiv forum homosexualität münchen mit Philipp Gufler, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Führung durch das Archiv forum homosexualität münchen mit Philipp Gufler, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Führung durch das Archiv forum homosexualität münchen mit Philipp Gufler, Foto: Lenbachhaus, 2016



BE MY GUEST, 27. Oktober 2016

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BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Friends of Gas, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Friends of Gas, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Buchpräsentation Anna McCarthy – How to start a Revolution, The Musical, Anna McCarthy (vocals), Antenne Danger (fake grand piano) und Tom Wu (percussion), Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Buchpräsentation Anna McCarthy – How to start a Revolution, The Musical, Anna McCarthy (vocals), Antenne Danger (fake grand piano) und Tom Wu (percussion), Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Buchpräsentation Anna McCarthy – How to start a Revolution, Verlag Edition Taube, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, v.l.n.r. Künstlerin Flaka Haliti im Gespräch mit Kurator Saim Demircan, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, v.l.n.r. Künstlerin Flaka Haliti im Gespräch mit Kurator Saim Demircan, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, v.l.n.r. Stephanie Weber und Eva Huttenlauch, Kuratorinnen der Ausstellung FAVORITEN III: Neue Kunst aus München, Foto: Lenbachhaus, 2016
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BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, v.l.n.r. Stephanie Weber und Eva Huttenlauch, Kuratorinnen der Ausstellung FAVORITEN III: Neue Kunst aus München, Foto: Lenbachhaus, 2016

BE MY GUEST
Mi, 26. – Sa, 29. Oktober 2016

im Kunstbau des Lenbachhauses

Als Finale der Ausstellung »Favoriten III: Neue Kunst aus München« findet vom 26. bis 29. Oktober ein viertägiges Veranstaltungsprogramm unter dem Titel BE MY GUEST statt. Die Künstlerinnen und Künstler der Ausstellung sind hier Gastgeber und laden Gäste ihrer Wahl für Performances, Buchpräsentationen, Diskussionen, Führungen, Konzerte und mehr ein. Einige Eindrücke der BE MY GUEST Abende!

Der Eintritt zu den Veranstaltungen ist kostenlos.


Mi, 26. Oktober 2016, ab 18 Uhr
Gespräch zwischen dem Kurator Saim Demircan und der Künstlerin Flaka Haliti

Saim Demircan und Flaka Haliti verfolgen im Gespräch die Entwicklungen der neuesten Installationen und Ausstellungen der Künstlerin und diskutieren ihre Auswahl von Themen und Materialien, die die Arbeiten kontextualisieren und verbinden.

Saim Demircan ist Kurator und Autor. Er lebt in Berlin. Von 2012 bis 2015 war er Kurator am Kunstverein München. Zuvor kuratierte er ein zweijähriges Programm der Offsite Projects und eine Ausstellung von Werken des deutschen Künstlers Kai Althoff in der Focal Point Gallery in Southend-on-Sea, Großbritannien. Er schreibt regelmäßig für Frieze d/e und Art Monthly und wirkt an der Redaktion von Art Papers mit.

In Zusammenarbeit mit der Akademie der Bildenden Künste München, Klasse Prof. Pitz.

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Ausstellungsansicht, Flaka Haliti, “Thendive, Grace, Rishika, Lefa, Kaden, Victoria, Nadia, Leo, Cyril, Mrs. Faye, Malrar, Josias, Ojas, Philip, Ernest, Ziyanda, Ledri, Amadou, Bayanda, Julien, Sochima, Edgar, Daniel, Tshego, Nihal, Oyane, Ms. Dagrou, Ann, Viva Preis 2016, Galerie für zeitgenössische Kunst, Leipzig, Foto: Sebastian Schröder courtesy die Künstlerin und LambdaLambdaLambda

Buchpräsentation Anna McCarthy – How to start a Revolution
»HOW TO START A REVOLUTION« ist eine vielschichtige Arbeit die sich mit Klischees des Rebellenstums beschäftigt, eingebettet in die gesellschaftspolitischen Ereignissen zwischen 2007 und 2015 und ihrer medialen und subjektiven Rezeption. Es besteht aus einem Mikrokosmos von Menschen und Orten aus dem direkten Umfeld der Künstlerin, die globale Ereignisse auf humorvolle, absurde und kritische Art und Weise repräsentieren. Geographisch verankert in München und Bayern, greift es darüber hinaus die hiesigen Eigentümlichkeiten auf kritische und humorvolle Art auf und stellt diese immer wieder in Kontext zu historischen globalen Ereignissen und Personen, u.a. mit Dokumentarfilmen wie ‘Bored Rebel in Oberpfaffenhofen’ oder lächerlich provokanten politischen Aktionen im öffentlichen Raum, so wie zahlreichen »in-flux« Archiven und einem pathetischen Musical, welches 2013 im Haus der Kunst uraufgeführt wurde. Das Projekt wurde international ausgestellt, u.a. in der Nottingham Gallery for Contemporary Art, Chisenhale Gallery London, Schloss Ringenberg Hamminkeln, Galleribox Iceland und in der Transmission Gallery in Glasgow.

»HOW TO START A REVOLUTION: The Book« The Books« ist zugleich eine Erweiterung des Projektes, so wie dessen Zusammenfassung. Es erscheint im Verlag Edition Taube inklusive einer Künstleredition von 50 Stück in Kooperation mit Galerie SPERLING. Die erste Ausgabe wird gefördert von KunstClub 13 und umfasst “The Musical”. Es werden am selbigen Abend Auszüge aus dem Musical live aufgeführt mit Anna McCarthy (vocals), Antenne Danger (fake grand piano) und Tom Wu (percussion).

"These bored rebels are currently not available in your country", Still from "How To Start A Revolution: The Musical", 2013
“These bored rebels are currently not available in your country”, Still from “How To Start A Revolution: The Musical”, 2013

Konzert: Friends of Gas
»Friends Of Gas sind wie ein Mückenstich – schnell passiert, aber danach juckt es sehr lange.«

FRIENDS OF GAS aus München bewegen sich mit noisigen Gitarrenläufen und fragmentarischem Text zwischen fester Struktur und Improvisation, zwischen Post-Punk, Noise und den kalten 80ern. Wenn FRIENDS OF GAS den Perser betreten, verbreitet sich sogleich ein benzindurchwirkter Lufthauch, der irgendwie geil, aber auch abstoßend ungesund riecht. FRIENDS OF GAS sind Nina Walser, Veronica Burnuthian, Thomas Westner, Martin Tagar und Erol Dizdar.


Do, 27. Oktober 2016, ab 18 Uhr
NoFutureKomplex (Sebastian Stein & Mitra Wakil & Stephan Janitzky) präsentieren ihr neuestes Werk.

»What happens in munich, stays in munich.« (30 minuten, 2016, expanded cinema) C. sagt: “Als professioneller actor liebe ich es im Zentrum eurer Aufmerksamkeit zu stehen. Erwarte keine künstlerische Äußerung zu Gunsten deiner Probleme und pralle gegen die surface.”

Konzert: CRICKET
Erstes experimentelles Improvisations-Konzert der sogenannten Geburtstagsgruppe: Fabo Beger, Sebastian Dacey, Hedwig Eberle, Anna McCarthy und Rax Mossner.


Fr, 28. Oktober 2016, ab 18 Uhr
SURVIVAL KIT Buchpräsentation mit Lesungen und Performances

»Lasst uns zu unserer Geschichte kommen. Zurück zu unserer Geschichte. Wir haben keinen konkreten Bösewicht, ein menschliches Wesen, das Böse selbst.« »Man könnte viele Personen sein in seinem Leben. Träume von Nebel, der herabsinkt, von Survival Kits und Badezimmern.«

SURVIVAL KIT ist ein langfristiges künstlerisches und pädagogisches Experiment von jungen Künstlern aus Athen und München. Seit 2013 hat es sich in einem kontinuierlichen Austausch manifestiert und Kooperationen in verschiedenen Medien hervorgebracht. So sind beispielsweise die Einrichtung des von Studenten geführten Projektraums »Circuits and Currents« in Exarchia, Athen und eine Publikation, die von drei Jahren gemeinsamer Geschichten erzählt, auf das Projekt zurückzuführen. Diese Veröffentlichung fiktionalisiert ihre Erfahrung mit Ausstellungen, kollektiven Filmen und Konferenzen, die sie in Athen und München organisiert haben, in Form eines Künstlerbuchs, das nun zum ersten Mal mit Live-Lesungen und Performances präsentiert wird.

SURVIVAL KIT ist eine Kooperation zwischen der Akademie der Bildenden Künste München (AdBK) und Athen School of Fine Arts (ASFA), unterstützt durch den DAAD.

SURVIVAL KIT, 2016
SURVIVAL KIT, 2016

Do, 27. Oktober und Sa, 29. Oktober 2016, jeweils 14 Uhr
Führung durch das Archiv forum homosexualität münchen mit Philipp Gufler
Bayerstr. 77a RGB III, 80335 München

Einige geschichtsbegeisterte Lesben und Schwule gründeten im April 1999 das selbst-organisierte Archiv forum homosexualität münchen e.V.. Seitdem arbeiten sie daran, aktuelle kulturelle und wissenschaftliche Beiträge und Erkenntnisse zu Alltag, Kultur und Geschichte von Lesben, Schwulen, Transsexuellen und Bisexuellen zu fördern, zu sammeln und für weitere Forschungen, aber auch für die breitere Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Philipp Gufler ist seit 2013 Mitglied im Archiv und veröffentlichte 2014 die Videoinstallation und das gleichnamige Künstlerbuch “Projektion auf die Krise (Gauweilereien in München)”, in dem er sich mit den 1980er Jahren und dem AIDS-Maßnahmenkatalog der damaligen bayerischen Staatsregierung auseinandersetzt. Seitdem entstanden weitere Arbeiten aus seiner Forschung im forum homosexualität münchen, wie die Siebdruck-Serie Quilt oder ein Videoportrait von Erich Haas (mit Liane Klingler). Gufler gibt während der Führung einen Einblick in die Archivbestände und seine künstlerische Recherche.

Die Führung ist kostenlos. (max. 15 Teilnehmer)
Anmeldung unter: fuehrungen-lenbachhaus@muenchen.de

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Vom Feinen zum Groben (Teil 3)

Vom Feinen zum Groben (Teil 3)

Heute: Können Büropflanzen wirklich sterben? Über einige Fotografien die als Beiwerk zu einer Ausstellung entstanden sind.

 

img_9884Foto: C. Nolte

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Schöne Büropflanze “Schefflera arboricola”

Artikelnummer: C120

49,00 €

inkl. 19% MwSt, zzgl. Versandkosten

Menge 1

Zustand: Gut

Farbe/Dekor: grün

Eigenschaften:

Auf Lager: 30

Höhe: ca. 160 – 265 cm

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Diese Artikelbeschreibung gehört wirklich zu der oben abgebildeten Pflanze, die man im Internet kaufen, sich zusenden, oder auch an jenem Ort besichtigen und abholen kann, wo ich einmal Verkaufsdisplays für eine Ausstellung kaufen wollte. Es handelt sich hierbei um eine Lagerhalle in der Peripherie Münchens. Über mehrere Stockwerke, die vollgestellt mit deutschlandweit aufgekaufter Konkursmasse sind, hat man die Wahl der Qual: “Chefbüros” in ausgesuchten Tropenhölzern; in beruhigenden Farben gehaltenen und variabel einsetzbare Raumteiler; Unmengen an Verkaufsdisplays, die von aufgelösten Shoppingcentern stammen, oder wie wäre es mit Whiteboards mit den letzten Einträgen kurz vor der Geschäftsauflösung? Es gäbe auch einen bunten Blumenstrauß an Kunstwerken oder Dekoartikeln, je nach Geldbeutel. Der Konkurs ist der gemeinsame Nenner dieser schrecklichen Versammlung und es werden hier alle Register der renovativen Methodik gezogen, um die Geschichte in Form von Gebrauchsspuren zu eleminieren.

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Foto: C. Nolte

In der Kategorie “sonstige Büroausstattung” findet man die hier von mir abgelicheteten Büropflanzen. Sie scheinen auch unter diesen Bedingungen prächtig weiterzuwachsen. Sicherlich haben sie durch ihren nachweislich positiven Effekt auf den arbeitenden Menschen, die Stimmung in dieser Halle spürbar aufgeheitert. Und es ist leicht vorstellbar, dass die Pflanzen mittlerweile viel zu groß geworden sind, um noch einmal umzuziehen.

 

img_9941Foto: C. Nolte

Aber kommen wir zu dem Punkt meines Anliegens. Ich war ja auf der Suche nach Verkaufsdisplays. Die Geschichte der Objekte interessiert mich dabei ebenso wie die funktionalen Eigenschaften der Displays, die man sich gerne als formgewordene Quellen der Idee des unendlichen Warenflusses vorstellen darf. Deshalb ist es wichtig genügend Regalauffüller einzustellen, damit über den Leerstellen nicht zuviel nachgedacht werden muss. Die vielen kleinen Tode, die der Kapitalismus in Form von Konkursen stirbt, sind, wie man hier sieht, gar keine Tode mehr, sondern Wiederauferstehungen. Es gibt dieses Ende nicht!

 

Erlöserkirche München, Carsten Nolte
with nothing but lick and a promise, 2014, Erlöserkirche München, Foto: S. Wameser

Das Ergebnis meiner Suche war dann dieser Kleiderständer, den ich unverändert in die Apsis neben dem Taufstein stellen durfte. In einer katholischen Kirche hätte ich so ein doppelbödiges Objekt sicher nicht an so einen prominenten Platz stellen können. Man beachte die verchromte Stange im oberen Teil des kreuzförmigen Displays.

Weitere Bilder und Infos zu der Ausstellung findet ihr hier

Und wer sich weitergehend mit dem Ende des Kapitalismus beschäftigen möchte, kann sich mit Wolfgang Streeks Einschätzungen dazu auseinandersetzen. Wolfgang Streecks Aufsätze zum Ende des Kapitalismus, erschienen im Frühjahr 2015 in den Blättern für deutsche und internationale Politik:

Teil 1 , Teil 2

 

Robert Crotla

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Robert Crotla, The Stairs, 2016, v.l.n.r. Aufnahme im Lenbachhaus und im Kunstbau, Courtesy der Künstler
Robert Crotla, The Stairs, 2016, v.l.n.r. Aufnahme im Lenbachhaus und im Kunstbau, Courtesy der Künstler
Robert Crotla, Ausstellungsansicht „FAVORITEN III: Neue Kunst aus München“ Foto: Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, München, Courtesy der Künstler
Robert Crotla, Archiv, 2006-2008, Galerie Christine Mayer, Courtesy der Künstler
Robert Crotla, Archiv, 2006-2008, Foto: Frank Stürmer, Galerie Christine Mayer, Courtesy der Künstler

Diplomatie, heißt es, sei eine Kunst. Und von der Kunst wissen wir speziell in München, dass sie viel Arbeit macht. Und künstlerische Arbeit, so sagt man wenigstens, wäre ein Sonderfall von Arbeit – auch wenn wir hier nicht von der grundsätzlich disproportionalen Honorierung dieser Arbeit sprechen wollen. Sehr wenige Künstler sind (für alle anderen regelrecht beleidigend) über-, die allermeisten gnadenlos unterbezahlt. Vom tatsächlichen Wert künstlerischer Arbeit und wie dieser in die gleichermaßen statistischen, gesellschaftlichen, ästhetischen und epistemischen Unverhältnismäßigkeiten hineinspielt, möchten wir hier gar nicht erst anfangen. Denn Grundvoraussetzung wie der Zweck künstlerischen Arbeitens bestünden, idealerweise, genau in deren Zweckfreiheit. Doch wie frei und ferner wie selbstbestimmt kann die künstlerische Arbeit überhaupt betrieben, Praxis werden, wo Kunst (machen) doch eigentlich immer schon Kunst (haben) als Voraussetzung hat (speziell, wenn Konsens ist, dass Kunst an und für sich einen Wert hat)?

Diese Frage mag vor allem die Theorie der Kunst betreffen. Für Künstler wird sie gleichwohl dann relevant, wenn es darum geht zu klären, ob man Kunst (zuerst) braucht um sie (dann) entsprechend wollen zu können. Oder ob man, sozusagen from scratch, einfach mal irgend etwas wollen kann, was sich vielleicht unterm Machen, vielleicht als Gemachtes, Gezeigtes und Bewertetes als Kunst herausstellt.

Eher, als über konkrete Arbeiten zu sprechen, macht es im Falle des ziemlich tief im gelebten Leben verankerten künstlerischen Projekts – Projekt stimmt, wer nicht Mission sagen möchte – von Robert Crotla Sinn, über die Strecken zu sprechen, die zwischen Kunst haben und Kunst machen liegen oder über zuerst und danach. Es ist insofern hilfreich, weil Crotla, auch weil er, wie seine bisherige Biographie zeigt, eben gar nichts anderes als grundsätzlich immer Kunst machen kann und das meistens auch irgendwie will, seine konkreten künstlerischen Arbeiten – im weiteren Sinne von ihm signierte ‚Werke’ vom Bildobjekt bis zum Personen- und Institutionen-, ja ganze Städte-übergreifenden kuratorischen Set-ups – ganz extrem auf die Anlässe bezieht, die ihm erlauben die Kunst im Großen und Ganzen sozusagen in publikumskompatibleren Formaten der Kunst zu machen.

Dass er Material sammelt und arrangiert, malt, plastisch assembliert, gestalterisch und konzeptionell einrichtet, sich – auch ohne Gegenüber – expressiv äußert oder intensiv kommuniziert, dass er einerseits Bilder, Objekte und andererseits komplette Ausstellungen abliefert, hat mit den Distanzen zu tun, die er gegenüber Kunst einnimmt und die er für sich, zusammen mit und gerne auch gegen alle anderen markiert.

Wollte man von einem Modus sprechen, in dem sich sein sich zwar äußerst heterogen äußerndes künstlerisches Werk, dabei aber offensichtlich kohärentes Projekt, darstellt, dann wäre es der Modus des (immer neuen, immer anders) Aushandelns. Von Bedingungen braucht dabei noch nicht einmal die Rede sein, auch nicht, dass speziell vormoderne Künstler nicht selten gewiefte Diplomaten gaben, denken wir an Tizian, Vélazquez bevor sich mit der Moderne die Kunst mit antiästhetischem Furor und mimetischer Hingabe ins Politische drängte.

Kein Wunder, dass Robert Crotla seine Ausstellungsbeiträge gerne auf Platzhalter und Parerga (ein Archiv mit Bildmaterial aus mehreren Jahrgängen der Zeitschrift „Spiegel“ als Zeichen für Historie, Transport- und Verpackungskisten als signifikante Exoskelette für den mit Kunstobjekten gern in Verbindung gebrachten Wert) oder regelrechte Lücken und Löcher beschränkt, damit zugleich aber soziale oder institutionelle Räume sprengt. Stünde diesen Arbeiten die Kunst demnach immer schon zur Verfügung, als Begriff, Ding oder in Helmut Draxlers Sinn „gefährliche Substanz“, die sich noch aus der letzten Ritze hervordrückt? Oder geht es in Crotlas durch und durch originärer – und entsprechend undiplomatischen – Praxis nicht doch um ein Schaffen ex nihilo, das aus dem nichts immerhin etwas, das deshalb zurecht gerade auch Kunst heißen kann, zu machen versteht? Diese beiden Aspekte sind auf jeden Fall anwesend in einem Projekt, das sich dem Risiko aussetzt Kunst sein zu wollen, selbst wenn es weder Kunst als Voraussetzung noch als reale Aussicht gäbe. Wenn im Museum andererseits eh immer der Platz nicht reicht, umso besser.

Hans-Jürgen Hafner (2016)

Schönschreiben

Schönschreiben
»›Meine Handschrift ist tadellos. Hierin besitze ich allerdings Talent, und wenn man will, kann man mich vielleicht sogar einen Künstler nennen, was das Schreiben anbelangt. Geben Sie mir ein Blatt Papier, ich werde Ihnen etwas zur Probe schreiben‹, sagte der Fürst, ganz bei der Sache.«
Dostojevskij, Der Idiot

Fürst Myschkin, der Antiheld aus Dostojevskijs Idiot, zeichnet sich nicht nur durch seine liebenswerte Naivität, sondern auch durch seine schöne Handschrift und seine Begeisterung für die »wundervollen Schreibutensilien« des Generals Jepantschin aus.
Schönschreiben hat immer etwas Anachronistisches und Naives an sich, und auch im Anachronistischen liegt eine naive Begeisterung. So erscheint die Begeisterung des Fürsten für die Schreibutensilien dem gegenwärtigen Blick naiv. Handschrift wird im Computerzeitalter höchstens gebraucht, um Arztformulare auszfüllen – und dazu reicht ein Kugelschreiber.
Ein weiterer Grund für diese Wahrnehmung des Schönschreibens könnte sein, dass die Kulturtechnik des Schreibens, deren eigentliche Funktion es ist, Informationen weiterzugeben, hier eine weitere bekommt: schön zu sein. Schöne Handschrift legt den Verdacht nahe, dass es beim Schreiben weniger um den Sinn des Geschriebenen als um die Tätigkeit selbst geht, schöne Schrift mit schönen Utensilien herzustellen – oder die Schrift zu betrachten, ohne ihre Bedeutung wahrzunehmen. Der Fokus des Schönschreibenden liegt scheinbar nicht auf der Produktion von Sinn, sondern auf der Ausführung eines Schreibhandwerks.
Andreas Chwatal schreibt seine Texte nicht mit einer Maschine und entzieht ihnen damit die Möglichkeit, einfach reproduzierbar zu sein. Seine Texte sind Artefakte, die zwar kopiert werden können, aber, anders als etwa bei einem Gedichtband, mit der Kopie an Originalität verlieren.
Auch die Präsentationform an der Wand, möglicherweise sogar in einem Objektrahmen, zeigt, dass es sich hier nicht um gewöhnliche Texte handelt, die gedruckt in ein Buch gehören. Chwatal rückt sie buchstäblich in die Nähe von Bildern und lässt die Betrachter_innen damit zwischen drei Rezeptionsmodi wählen:

1. Sie können als Bilder betrachtet werden, also als Schriftstücke an der Wand, die auf einen lesbaren Sinn verweisen, der aber nicht unbedingt gelesen werden muss.
2. Sie können gelesen werden, ohne dass man beim Lesen den Sinn richtig versteht. Man springt wie beim unkonzentrierten Lesen von Wort zu Wort und stellt am Ende fest, dass man zwar gelesen, aber den Inhalt nicht erfasst hat.
3. Oder sie können im landläufigen Sinne des Wortes gelesen werden – also gelesen und inhaltlich verstanden.

Egal welchen Rezeptionsmodus man wählt, alle verweisen auf die Möglichkeit einer linearen zeitlichen Abfolge, eines Nacheinanders von Wahrnehmung. Im Gegensatz zum Bild, das auf einmal wahrgenommen werden kann, verweist der Text, wie auch immer er gelesen wird, auf eine lineare zeitliche Ausdehnung.
Anders als bei gemalten Bildern entstehen in den gemalten Texten die sprachlichen Bilder nacheinander. Um die ganze Szene, die Chwatal mit seinen Texten aufruft, vor dem inneren Auge zu haben, muss man sie zuerst komplett lesen. Sie entsteht also während der Lektüre im Kopf der Leser_innen.
Auf diese Weise erzeugt Andreas Chwatal durch seine Texte Bilder, die seinen Zeichnungen ähneln, sich aber im Sehen erst entwickeln bzw. von der Leser_in realisiert werden müssen. Der Prozess der Bildwerdung kann von den Leser_innen nachvollzogen werden.
Die Handschrift hat somit zwei Funktionen: Auf der handwerklichen Ebene der anachronistischen, handschriftlichen Gemachtheit verweist sie auf die Naivität und die Freude am spielerischen Umgang mit dem Material. Auf inhaltlicher Ebene vermitteln sie den Leser_innen die Langsamkeit des mußevoll schweifenden Blicks, durch den Chwatals Bildwelten entstehen. Es ist der detaillierte Blick des Malers und der kindlich spielerische Blick, der in den realen Dingen andere, fantastische Dinge sieht, so, wie Kinder Schlösser in Wolken sehen können: Chwatals Texte können letztlich als eine Poetik seiner Bilder gelesen werden.

Tillmann Severin

#generationbataclan

#generationbataclan
Großes Chaos, Turnschuhe schweben durchs Bild, es blitzt das französische Wort „Carnages“ (Blutbad, Massaker) auf und am rechten oberen Bildrand steigt als ein Deus ex machina ein behelmter Jüngling herab, dessen feine Gesichtszüge und spitzer Mund alles andere verkünden, als dass sich die Tragödie in einem Akt der Gewalt auflösen ließe.

Der Titel von Andreas Chwatals Collage „Bataclan“ führt den Betrachter unmittelbar zu den Geschehnissen am Abend des 13. November 2015. Bataclan ist nach dieser Nacht zu einem weltweiten Begriff für Gewalt und Terrorismus geworden, wie auch Charlie Hebdo oder Nizza durch die Ereignisse der jüngsten Vergangenheit neue Bedeutungen zugewachsen sind.

Die Zeitschrift Libération titelt in der Ausgabe vom 14. November: „Carnages à Paris“. Das Bildmotiv auf der Frontseite zeigt einen halbnackten, verletzten und benommen wirkenden jungen Mann, der von zwei Einsatzkräften gestützt und getragen wird. Sein blutendes, verbundenes Handgelenk unterstreicht die unwillkürliche ikonographische Bezugnahme auf die Kreuzabnahme Jesu. Andreas Chwatal verwendet dieses Titelblatt als Folie, die sich als Tuschzeichnung im Hintergrund auf die fast 2.50 m hohe Collage erstreckt. Durch die Überlagerung mit anderen Bildelementen bleiben von der Männergruppe vor allem die drei zueinander gewandten Köpfe als ein Triumvirat sichtbar, das sich in der linken Bildhälfte zum Hauptmotiv entwickelt und als einziges kompositorisches Gegengewicht zu der dominanten Gottheit agiert. Von der Headline im unteren Bilddrittel ist noch „Carnages“ und „Paris“ zu entziffern. In der Mitte des Schriftzugs teilt sich das Material in zwei Ebenen. Wie an einer ausgeblichenen Plakatwand scheint die Hälfte des Schriftzugs schon abgerissen. Ein Teil des Titels wird zudem von einem T-Shirt-Ständer verdeckt, der sich ohne ein Rahmensetting in der Bildmitte auftut. Zuvorderst hängt ein Shirt mit dem Aufdruck „Vans“ und verweist auf Massenkonsum und Jugendkultur. Beim Anschlag im Bataclan starb ein Mitarbeiter der Band „Eagles Of Death Metal“, der am Merchandise Stand gearbeitet hatte. Wie keiner der anderen Terroranschläge der jüngeren Zeit, so scheint es, richtete sich der Angriff rund um das Bataclan gegen eine gelebte Jugendkultur.

Der Blick wandert zurück zu den schwebenden Turnschuhen. Nehmen sie tatsächlich nur eine Rolle innerhalb einer Erzählung ein, bei der in einem der ältesten Konzertsäle für Unterhaltungsmusik in Paris das Leben zahlreicher junger Menschen dem Terror zum Opfer fällt? Spielen sie auf die Fotos der Presse an, auf denen am Morgen nach dem schrecklichen Ereignis vereinzelt Schuhe neben anderen zurückgelassenen persönlichen Gegenständen am Straßenrand zu sehen sind und symbolisieren, dass ihre Besitzer, ihre Träger nicht mehr da sind?
Die Turnschuhe hier im Bild erinnern nicht an verlorene Schuhe oder daran, dass jemand sie zurücklassen musste. Sie sehen vielmehr so aus, als wären sie zur Werbung inszeniert. Der Sneaker gilt seit den 1970er Jahren als Modeschuh No. 1 der Jugendkultur und hat spätestens mit dem Air Jordan in den 1980er Jahren eine Kultrolle in der Geschichte der Popkultur eingenommen. Einzelne Modelle werden verbunden mit Persönlichkeiten vom Basketballspieler Michael Jordan über Sänger und Musikproduzent Kayne West bis zu Schauspielerin Uma Thurman, die in ihrer Rolle als Black Mamba in Kill Bill den Absatz für gelb-schware Onitsuka Tiger in die Höhe schnellen ließ. Der Turnschuh hat sich populärkulturell so durchgesetzt, dass er durch alle Ethnien, Glaubensrichtungen, Kontinente und Gesellschaftsschichten getragen wird. Es gibt vermutlich kein demokratischeres Kleidungsstück, auch wenn sich bestimmte Debatten – gerade wenn es um seine Rolle als Fetischobjekt geht – am Turnschuh entzünden. Sogar von Turnschuhmorden ist in den 1990er Jahren in den Zeitungen zu lesen: Jugendliche fielen in den USA auf offener Straße aufgrund ihres begehrenswerten Schuhwerks Raubmorden zum Opfer. Ein trauriger Höhepunkt von Kapitalismus und Konsumgesellschaft. Spike Lee ebenso wie Michael Jordan sollten sich als Werbefiguren rechtfertigen, dass ihre Fans offenbar weit entfernt von guter Erziehung seien. Hätte man dies einem weißen Filmproduzenten und einem weißen Sportler vorgeworfen? (1) Diese Diskussion führt in eine andere Richtung, ist allerdings untrennbar mit der Frage um die kulturelle Bedeutung des Sneakers verbunden.
Die Schuhe – in Chwatals Bild gleiten sie förmlich durchs Bild – wirken als wären sie von der jungen Gottheit selbst herabgesandt worden. Ein Modell von Nike scheint oberhalb der göttlichen Hand zu schweben und unweigerlich als Referenz auf die Siegesgöttin zu agieren. Die Schuhe stehen in Dialog mit ihrem eigenen Abdruck, der sich als ein weiteres Bildelement wie ein Leitmotiv durch die Collage zieht. Primär verkörpern sie beinah Trompe-l’oeil-artig dargestellt das Objekthafte, den Fetisch und damit einen Konsumgegenstand über den sich sein Besitzer als Person zu definieren sucht. Der Turnschuh symbolisiert am Ende nämlich doch die Zugehörigkeit zu einer Gruppe, einer Klasse. Mit Modellen wie dem Air Max referiert Chwatal dabei auf jenen Moment, in dem der Kult auf die Spitze getrieben und der Schuh zur Massenkultur wird. Die Fußabdrücke stammen von Chwatals eigenen Schuhen – einem alten Paar Duffs und einem Modell von Le Coq Sportif – und betonen das Objekthafte der Collage selbst. Der flache Schuhabruck kontrastiert die Plastizität der übrigen Darstellungen und legt sich als eine Ebene auf das Bild, die den Betrachter an die Gemachtheit und an den Charakter des Kunstwerks selbst als ein Fetischobjekt erinnert. Als Oberflächenäußerung ist somit nicht nur der Turnschuh selbst als Symbol (und nicht als narratives Element) zu verstehen, sondern auch die oberste Schicht in Chwatals Collage.

Eine Arabeske setzt am unteren Bildrand an, deren Ornamente und Verjüngungen sich in schwarz wie Blumen, die aus Trauer und zum Gedenken abgelegt werden, ausbreiten. Einzelne Verästelungen geben den Blick auf Szenerien frei: ein Feiernder, der bewusstlos mit einer an seiner Hand festgebunden Flasche am Boden liegt, auf seinen entblößten Oberkörper hat jemand ein Herz gemalt; eine Gruppe junger nackter Badender erinnert an altmeisterliche Darstellungen aus dem 17. Jahrhundert und spiegelt die Vergnügungsgesellschaft aus der Perspektive vergangener Jahrhunderte.

Am Montag den 16. November titelt die Libération dann „Génération Bataclan“ und zeigt einen Ausschnitt aus einer Menschenmenge. Junge Leute, alle dunkel gekleidet, stehen in Trauer zusammen. Die Titelseite wird in den sozialen Medien aufgegriffen, findet als #generationbataclan Verbreitung. Wer diese Generation nun genau sei und wie sie zu definieren ist, wurde viel diskutiert. Ein junger Mann, namens Matthieu schreibt im Netz: „Da ist meine Generation auf dem Foto zu sehen, mit allem Schönen, was sie zu bieten hat: sie feiert gern, ist kosmopolitisch und frei. ‘Génération Bataclan’ – das sind Leute, die mir nahe stehen: Leute, die Rock hören, im Musikbusiness arbeiten, abends spät schlafen gehen. Die Generation, die gern ‘anstößt’.“(2)
Es geht, wie auch in Andreas Chwatals Bild um eine Generation, die im Frieden aufgewachsen ist, mehrheitlich unpolitisch ist, sich wie selbstverständlich als tolerant bezeichnet und sich plötzlich völlig unerwartet in einer Situation des Konflikts befindet. Trotz großer Gesten findet sich kein Urteil in Andreas Chwatals Bild. Keine vernichtende Konsumkritik, keine offensive Anklage der Medien, aber auch keine Handlungsanweisung. Die sich verzahnenden Elemente der Collage vermitteln eine persönlich wahrgenommene Stimmung, ein Gefühl: das eines größtmöglichen Unwohlseins.

Monika Bayer-Wermuth

(1) Vgl. Hannes Stein: Die Zeit der Sneaker-Morde ist vorbei, 28.07.15, Die Welt, online
(2) http://www.cafebabel.fr/societe/article/couvertures-europeennes-cest-notre-generation-quon-assassine.html