Empfohlen



BE MY GUEST, 28. Oktober 2016

2016_favoriten-iiiveranstaltung_iii_32
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten-iiiveranstaltung_iii_36

BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten-iiiveranstaltung_iii_32
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten-iiiveranstaltung_iii_27
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten-iiiveranstaltung_iii_20
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten-iiiveranstaltung_iii_19
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten-iiiveranstaltung_iii_15
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten-iiiveranstaltung_iii_14
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, SURVIVAL KIT, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten-iiiveranstaltung_iii_10
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Stephanie Weber, Kuratorin der Ausstellung FAVORITEN III: Neue Kunst aus München, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten-iiiveranstaltung_iii_07
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten-iiiveranstaltung_iii_01
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Foto: Lenbachhaus, 2016
Empfohlen



BE MY GUEST, 27. Oktober 2016

2016_favoriten3bring-my-guest_kunstbau_janitzky_eberle_81
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, CRICKET, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten3bring-my-guest_kunstbau_janitzky_eberle_65
<BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, CRICKET, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten3bring-my-guest_kunstbau_janitzky_eberle_61
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, CRICKET, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten3bring-my-guest_kunstbau_janitzky_eberle_58
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, CRICKET, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten3bring-my-guest_kunstbau_janitzky_eberle_41
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, NoFutureKomplex, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten3bring-my-guest_kunstbau_janitzky_eberle_38
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten3bring-my-guest_kunstbau_janitzky_eberle_25
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, NoFutureKomplex, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten3bring-my-guest_kunstbau_janitzky_eberle_23
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, NoFutureKomplex, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten3bring-my-guest_kunstbau_janitzky_eberle_10
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, NoFutureKomplex, Mitra Wakil, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoriten3bring-my-guest_kunstbau_janitzky_eberle_04
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Eva Huttenlauch, Kuratorin der Ausstellung FAVORITEN III: Neue Kunst aus München, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenbring-my-guest_gufler_56
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Führung durch das Archiv forum homosexualität münchen mit Philipp Gufler, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenbring-my-guest_gufler_50
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Führung durch das Archiv forum homosexualität münchen mit Philipp Gufler, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenbring-my-guest_gufler_45
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Führung durch das Archiv forum homosexualität münchen mit Philipp Gufler, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenbring-my-guest_gufler_41
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Führung durch das Archiv forum homosexualität münchen mit Philipp Gufler, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenbring-my-guest_gufler_05
BE MY GUEST, 27. Oktober 2016, Führung durch das Archiv forum homosexualität münchen mit Philipp Gufler, Foto: Lenbachhaus, 2016
Empfohlen



BE MY GUEST, 27. Oktober 2016

2016_favoritenveranstaltung_teil-i_kunstbau__39
BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Friends of Gas, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenveranstaltung_teil-i_kunstbau__36
BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Friends of Gas, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenveranstaltung_teil-i_kunstbau__26
BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Buchpräsentation Anna McCarthy – How to start a Revolution, The Musical, Anna McCarthy (vocals), Antenne Danger (fake grand piano) und Tom Wu (percussion), Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenveranstaltung_teil-i_kunstbau__24
BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenveranstaltung_teil-i_kunstbau__22
BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Buchpräsentation Anna McCarthy – How to start a Revolution, The Musical, Anna McCarthy (vocals), Antenne Danger (fake grand piano) und Tom Wu (percussion), Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenveranstaltung_teil-i_kunstbau__18
BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Buchpräsentation Anna McCarthy – How to start a Revolution, Verlag Edition Taube, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenveranstaltung_teil-i_kunstbau__16
BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenveranstaltung_teil-i_kunstbau__09
BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenveranstaltung_teil-i_kunstbau__10
BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, v.l.n.r. Künstlerin Flaka Haliti im Gespräch mit Kurator Saim Demircan, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenveranstaltung_teil-i_kunstbau__07
BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, v.l.n.r. Künstlerin Flaka Haliti im Gespräch mit Kurator Saim Demircan, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenveranstaltung_teil-i_kunstbau__06
BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, v.l.n.r. Stephanie Weber und Eva Huttenlauch, Kuratorinnen der Ausstellung FAVORITEN III: Neue Kunst aus München, Foto: Lenbachhaus, 2016
2016_favoritenveranstaltung_teil-i_kunstbau__05
BE MY GUEST, 26. Oktober 2016, v.l.n.r. Stephanie Weber und Eva Huttenlauch, Kuratorinnen der Ausstellung FAVORITEN III: Neue Kunst aus München, Foto: Lenbachhaus, 2016
Empfohlen

BE MY GUEST
Mi, 26. – Sa, 29. Oktober 2016

im Kunstbau des Lenbachhauses

Als Finale der Ausstellung »Favoriten III: Neue Kunst aus München« findet vom 26. bis 29. Oktober ein viertägiges Veranstaltungsprogramm unter dem Titel BE MY GUEST statt. Die Künstlerinnen und Künstler der Ausstellung sind hier Gastgeber und laden Gäste ihrer Wahl für Performances, Buchpräsentationen, Diskussionen, Führungen, Konzerte und mehr ein. Einige Eindrücke der BE MY GUEST Abende!

Der Eintritt zu den Veranstaltungen ist kostenlos.


Mi, 26. Oktober 2016, ab 18 Uhr
Gespräch zwischen dem Kurator Saim Demircan und der Künstlerin Flaka Haliti

Saim Demircan und Flaka Haliti verfolgen im Gespräch die Entwicklungen der neuesten Installationen und Ausstellungen der Künstlerin und diskutieren ihre Auswahl von Themen und Materialien, die die Arbeiten kontextualisieren und verbinden.

Saim Demircan ist Kurator und Autor. Er lebt in Berlin. Von 2012 bis 2015 war er Kurator am Kunstverein München. Zuvor kuratierte er ein zweijähriges Programm der Offsite Projects und eine Ausstellung von Werken des deutschen Künstlers Kai Althoff in der Focal Point Gallery in Southend-on-Sea, Großbritannien. Er schreibt regelmäßig für Frieze d/e und Art Monthly und wirkt an der Redaktion von Art Papers mit.

In Zusammenarbeit mit der Akademie der Bildenden Künste München, Klasse Prof. Pitz.

flaka_exhview_gross
Ausstellungsansicht, Flaka Haliti, “Thendive, Grace, Rishika, Lefa, Kaden, Victoria, Nadia, Leo, Cyril, Mrs. Faye, Malrar, Josias, Ojas, Philip, Ernest, Ziyanda, Ledri, Amadou, Bayanda, Julien, Sochima, Edgar, Daniel, Tshego, Nihal, Oyane, Ms. Dagrou, Ann, Viva Preis 2016, Galerie für zeitgenössische Kunst, Leipzig, Foto: Sebastian Schröder courtesy die Künstlerin und LambdaLambdaLambda

Buchpräsentation Anna McCarthy – How to start a Revolution
»HOW TO START A REVOLUTION« ist eine vielschichtige Arbeit die sich mit Klischees des Rebellenstums beschäftigt, eingebettet in die gesellschaftspolitischen Ereignissen zwischen 2007 und 2015 und ihrer medialen und subjektiven Rezeption. Es besteht aus einem Mikrokosmos von Menschen und Orten aus dem direkten Umfeld der Künstlerin, die globale Ereignisse auf humorvolle, absurde und kritische Art und Weise repräsentieren. Geographisch verankert in München und Bayern, greift es darüber hinaus die hiesigen Eigentümlichkeiten auf kritische und humorvolle Art auf und stellt diese immer wieder in Kontext zu historischen globalen Ereignissen und Personen, u.a. mit Dokumentarfilmen wie ‘Bored Rebel in Oberpfaffenhofen’ oder lächerlich provokanten politischen Aktionen im öffentlichen Raum, so wie zahlreichen »in-flux« Archiven und einem pathetischen Musical, welches 2013 im Haus der Kunst uraufgeführt wurde. Das Projekt wurde international ausgestellt, u.a. in der Nottingham Gallery for Contemporary Art, Chisenhale Gallery London, Schloss Ringenberg Hamminkeln, Galleribox Iceland und in der Transmission Gallery in Glasgow.

»HOW TO START A REVOLUTION: The Book« The Books« ist zugleich eine Erweiterung des Projektes, so wie dessen Zusammenfassung. Es erscheint im Verlag Edition Taube inklusive einer Künstleredition von 50 Stück in Kooperation mit Galerie SPERLING. Die erste Ausgabe wird gefördert von KunstClub 13 und umfasst “The Musical”. Es werden am selbigen Abend Auszüge aus dem Musical live aufgeführt mit Anna McCarthy (vocals), Antenne Danger (fake grand piano) und Tom Wu (percussion).

"These bored rebels are currently not available in your country", Still from "How To Start A Revolution: The Musical", 2013
“These bored rebels are currently not available in your country”, Still from “How To Start A Revolution: The Musical”, 2013

Konzert: Friends of Gas
»Friends Of Gas sind wie ein Mückenstich – schnell passiert, aber danach juckt es sehr lange.«

FRIENDS OF GAS aus München bewegen sich mit noisigen Gitarrenläufen und fragmentarischem Text zwischen fester Struktur und Improvisation, zwischen Post-Punk, Noise und den kalten 80ern. Wenn FRIENDS OF GAS den Perser betreten, verbreitet sich sogleich ein benzindurchwirkter Lufthauch, der irgendwie geil, aber auch abstoßend ungesund riecht. FRIENDS OF GAS sind Nina Walser, Veronica Burnuthian, Thomas Westner, Martin Tagar und Erol Dizdar.


Do, 27. Oktober 2016, ab 18 Uhr
NoFutureKomplex (Sebastian Stein & Mitra Wakil & Stephan Janitzky) präsentieren ihr neuestes Werk.

»What happens in munich, stays in munich.« (30 minuten, 2016, expanded cinema) C. sagt: “Als professioneller actor liebe ich es im Zentrum eurer Aufmerksamkeit zu stehen. Erwarte keine künstlerische Äußerung zu Gunsten deiner Probleme und pralle gegen die surface.”

Konzert: CRICKET
Erstes experimentelles Improvisations-Konzert der sogenannten Geburtstagsgruppe: Fabo Beger, Sebastian Dacey, Hedwig Eberle, Anna McCarthy und Rax Mossner.


Fr, 28. Oktober 2016, ab 18 Uhr
SURVIVAL KIT Buchpräsentation mit Lesungen und Performances

»Lasst uns zu unserer Geschichte kommen. Zurück zu unserer Geschichte. Wir haben keinen konkreten Bösewicht, ein menschliches Wesen, das Böse selbst.« »Man könnte viele Personen sein in seinem Leben. Träume von Nebel, der herabsinkt, von Survival Kits und Badezimmern.«

SURVIVAL KIT ist ein langfristiges künstlerisches und pädagogisches Experiment von jungen Künstlern aus Athen und München. Seit 2013 hat es sich in einem kontinuierlichen Austausch manifestiert und Kooperationen in verschiedenen Medien hervorgebracht. So sind beispielsweise die Einrichtung des von Studenten geführten Projektraums »Circuits and Currents« in Exarchia, Athen und eine Publikation, die von drei Jahren gemeinsamer Geschichten erzählt, auf das Projekt zurückzuführen. Diese Veröffentlichung fiktionalisiert ihre Erfahrung mit Ausstellungen, kollektiven Filmen und Konferenzen, die sie in Athen und München organisiert haben, in Form eines Künstlerbuchs, das nun zum ersten Mal mit Live-Lesungen und Performances präsentiert wird.

SURVIVAL KIT ist eine Kooperation zwischen der Akademie der Bildenden Künste München (AdBK) und Athen School of Fine Arts (ASFA), unterstützt durch den DAAD.

SURVIVAL KIT, 2016
SURVIVAL KIT, 2016

Do, 27. Oktober und Sa, 29. Oktober 2016, jeweils 14 Uhr
Führung durch das Archiv forum homosexualität münchen mit Philipp Gufler
Bayerstr. 77a RGB III, 80335 München

Einige geschichtsbegeisterte Lesben und Schwule gründeten im April 1999 das selbst-organisierte Archiv forum homosexualität münchen e.V.. Seitdem arbeiten sie daran, aktuelle kulturelle und wissenschaftliche Beiträge und Erkenntnisse zu Alltag, Kultur und Geschichte von Lesben, Schwulen, Transsexuellen und Bisexuellen zu fördern, zu sammeln und für weitere Forschungen, aber auch für die breitere Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Philipp Gufler ist seit 2013 Mitglied im Archiv und veröffentlichte 2014 die Videoinstallation und das gleichnamige Künstlerbuch “Projektion auf die Krise (Gauweilereien in München)”, in dem er sich mit den 1980er Jahren und dem AIDS-Maßnahmenkatalog der damaligen bayerischen Staatsregierung auseinandersetzt. Seitdem entstanden weitere Arbeiten aus seiner Forschung im forum homosexualität münchen, wie die Siebdruck-Serie Quilt oder ein Videoportrait von Erich Haas (mit Liane Klingler). Gufler gibt während der Führung einen Einblick in die Archivbestände und seine künstlerische Recherche.

Die Führung ist kostenlos. (max. 15 Teilnehmer)
Anmeldung unter: fuehrungen-lenbachhaus@muenchen.de

2016_favoriten_bemyguest_v1_gross

Empfohlen

Vom Feinen zum Groben (Teil 3)

Vom Feinen zum Groben (Teil 3)

Heute: Können Büropflanzen wirklich sterben? Über einige Fotografien die als Beiwerk zu einer Ausstellung entstanden sind.

 

img_9884Foto: C. Nolte

————————-

Schöne Büropflanze “Schefflera arboricola”

Artikelnummer: C120

49,00 €

inkl. 19% MwSt, zzgl. Versandkosten

Menge 1

Zustand: Gut

Farbe/Dekor: grün

Eigenschaften:

Auf Lager: 30

Höhe: ca. 160 – 265 cm

——————————————

 

Diese Artikelbeschreibung gehört wirklich zu der oben abgebildeten Pflanze, die man im Internet kaufen, sich zusenden, oder auch an jenem Ort besichtigen und abholen kann, wo ich einmal Verkaufsdisplays für eine Ausstellung kaufen wollte. Es handelt sich hierbei um eine Lagerhalle in der Peripherie Münchens. Über mehrere Stockwerke, die vollgestellt mit deutschlandweit aufgekaufter Konkursmasse sind, hat man die Wahl der Qual: “Chefbüros” in ausgesuchten Tropenhölzern; in beruhigenden Farben gehaltenen und variabel einsetzbare Raumteiler; Unmengen an Verkaufsdisplays, die von aufgelösten Shoppingcentern stammen, oder wie wäre es mit Whiteboards mit den letzten Einträgen kurz vor der Geschäftsauflösung? Es gäbe auch einen bunten Blumenstrauß an Kunstwerken oder Dekoartikeln, je nach Geldbeutel. Der Konkurs ist der gemeinsame Nenner dieser schrecklichen Versammlung und es werden hier alle Register der renovativen Methodik gezogen, um die Geschichte in Form von Gebrauchsspuren zu eleminieren.

d062

Foto: C. Nolte

In der Kategorie “sonstige Büroausstattung” findet man die hier von mir abgelicheteten Büropflanzen. Sie scheinen auch unter diesen Bedingungen prächtig weiterzuwachsen. Sicherlich haben sie durch ihren nachweislich positiven Effekt auf den arbeitenden Menschen, die Stimmung in dieser Halle spürbar aufgeheitert. Und es ist leicht vorstellbar, dass die Pflanzen mittlerweile viel zu groß geworden sind, um noch einmal umzuziehen.

 

img_9941Foto: C. Nolte

Aber kommen wir zu dem Punkt meines Anliegens. Ich war ja auf der Suche nach Verkaufsdisplays. Die Geschichte der Objekte interessiert mich dabei ebenso wie die funktionalen Eigenschaften der Displays, die man sich gerne als formgewordene Quellen der Idee des unendlichen Warenflusses vorstellen darf. Deshalb ist es wichtig genügend Regalauffüller einzustellen, damit über den Leerstellen nicht zuviel nachgedacht werden muss. Die vielen kleinen Tode, die der Kapitalismus in Form von Konkursen stirbt, sind, wie man hier sieht, gar keine Tode mehr, sondern Wiederauferstehungen. Es gibt dieses Ende nicht!

 

Erlöserkirche München, Carsten Nolte
with nothing but lick and a promise, 2014, Erlöserkirche München, Foto: S. Wameser

Das Ergebnis meiner Suche war dann dieser Kleiderständer, den ich unverändert in die Apsis neben dem Taufstein stellen durfte. In einer katholischen Kirche hätte ich so ein doppelbödiges Objekt sicher nicht an so einen prominenten Platz stellen können. Man beachte die verchromte Stange im oberen Teil des kreuzförmigen Displays.

Weitere Bilder und Infos zu der Ausstellung findet ihr hier

Und wer sich weitergehend mit dem Ende des Kapitalismus beschäftigen möchte, kann sich mit Wolfgang Streeks Einschätzungen dazu auseinandersetzen. Wolfgang Streecks Aufsätze zum Ende des Kapitalismus, erschienen im Frühjahr 2015 in den Blättern für deutsche und internationale Politik:

Teil 1 , Teil 2

 

Empfohlen

Vom Feinen zum Groben (Teil 2)

 

Vom Feinen zum Groben (Teil 2)

Heute: ein Bruchstück von dem Material zu der Ausstellung im Lenbachhaus.

cof

 

Vor ca. 4 Jahren begegnete mir derartiges Material schon einmal am Straßenrand. Jemand hatte Teile seiner Geschäftseinrichtung entsorgt. Darunter auch ein Leuchtkasten, der ähnlich, wie das für das Lenbachhaus ausgesuchte Material, von der Sonne farblich transformiert war. Ich war sogleich von der Ästethik hingerissen. Ich mag es ja sehr gerne, wenn ich zu Dingen komme, die allein durch die Zeit und durch den Gebrauch von  Menschen, geprägt wurden. Ich dachte mir bei meiner Einladung zu der Favoriten Ausstellung, dass ich an diese Arbeit weiter anknüpfen sollte, denn das besagte Stück, dass ich am Straßenrand gefunden hatte, wurde ja bereits in die Sammlung des Lenbachhauses aufgenommen. Macht es da nicht Sinn weiterzumachen?

Unlängst hatte ich weiteres Material gesammelt. Diesmal in Form von Werbedisplays, die Allerorts im öffentlichen Raum Münchens installiert sind. Genauer gesagt handelt es sich hier um vormals transparente Abdeckungen, die vor Wind und Wetter schützen sollten.

carsten_nolte_favoriten_1

Detail

Besonders ertragreich in dieser Hinsicht war der Sommer 2015. Mitunter kam es mir vor, als erntete ich reife Früchte. Manche ließ ich auch noch eine Weile hängen und wartete den Reifeprozess ab. Unablässiger Sonnenschein mit hohem UV-Index führten schon nach kurzer Zeit zu erstaunlichen Verfärbungen. Ich hatte zudem Glück: Es schien sonst keiner Interesse daran zu haben. Allein bei meinen Erklärungsversuchen, warum ich so ein Stück “Müll” haben wollte, schlußfolgerte ich aus den Reaktionen, dass fast alle mich für einen kompletten Idioten halten mussten. Das war für mein Unterfangen recht hilfreich, denn als ich darauf den Vorschlag erwiderte, dass ich dafür den Neupreis bezahlen würde, verschwand zwar nicht der Eindruck, es handle sich bei mir um einen Idioten, aber es legte sich zumindest der Zweifel an den daraus entstehenden Vorteilen, die auf einmal ganz klar auf der Hand lagen. So oder so: Eine Win-win Situation für beide Seiten!

2016_favoritenausstellung_kunstbau_noltec_1

ohne Titel, 2016, Foto: S. Gänsheimer

Damit könnten alle zufrieden sein. Die Sonne hat gute Arbeit geleistet! Ich habe gute Arbeit geleistet! Das Lenbachhaus hat sehr gute Arbeit geleistet! Aber der Hersteller dieser Abdeckungen hat die beste Arbeit geleistet, denn nur durch den fehlenden UV-Schutz konnte die Arbeit so gut gedeihen! Dem bewährten Prinzip der geplanten Obsoleszenz sei Dank. Damit sind jene Sollbruchstellen gemeint, die die Lebensdauer von Produkten verringern.

Eine Glühbirne, die seit 110 Jahre ihren Dienst tun soll, brennt in der Feuerwehrwache im kalifornischen Livermore, USA, (Undatiertes Handout). Sie hat es ins Guinness Buch der Rekorde und auf Facebook geschafft. Schon vor dem Untergang der Titanic und dem schweren Beben in San Francisco trat sie ihren Dienst im kalifornischen Livermore an. Dort brennt sie seit 1901 - die langlebigste Glühbirne der Welt. Grund genug, um die Glühbirne an ihrem Geburtstag hochleben zu lassen. Für die «Centennial Bulb», die Jahrhundertbirne, die in der Feuerwache Nr. 6 im kalifornischen Livermore hängt, richtet der Ort an diesem Samstag (18.06.2011) eine große Party aus. Achtung Redaktionen - Nur zur redaktionellen Verwendung bei vollständiger Nennung der Quelle: "Foto: Feuerwehr Livermore/Richard Jones" +++(c) dpa - Bildfunk+++
Centennial Bulb                                                                              Foto: Feuerwehr Livermore/Richard Jones

Die Centennial Bulb zB. brennt seit 110 Jahren. Sie markiert jene Zeit, in der Hersteller die geplante Obsoleszenz erfanden. Seither gilt Wachstum als der heilige Gral unserer Ökonomie. Der Kapitalismus hat sich mit der geplanten Obsolezenz einen eigenen Wachstumsgenrator geschaffen. Darauf folgend ist ein Arbeitsmarkt entstanden, der die Menschen in  Abhängigkeitsverhältnisse geführt hat, aus denen sie nicht so einfach, weil alternativlos, ausbrechen können. Aber solange die Sonne so schön über uns scheinen kann, wie im Sommer 2015, können wir zumindest im Rahmen unseres Urlaubsanspruchs, es mit der Gleichgültigkeit der Sonne aufnehmen und mit ihr auf- und  untergehen. Je nach dem.

 

2016_favoriten3lenbachplatz_002_noltecDie Sonne von einst war runder, 2016, Billboard Installation, Lenbachpatz, Foto: S. Gänsheimer

 

cof

Empfohlen

Vom Feinen zum Groben (Teil 1)

 

 

Vom Feinen zum Groben (Teil 1)

cof

Zurück aus Japan! Zurück zu alldem, was liegenbleiben musste. Was tut der Mensch wenn er Ordnung in seine Gedanken bringen will? Richtig! Aufräumen, das Unwesentliche vom Wesentlichen trennen und die Hoffnung dabei nicht verlieren, dass sich diese Handlung auf die eigenen neuronalen Prozesse und deren identitätsstiftende Auswirkungen überträgt. Damit bildet dieser Haufen den feinstofflichen Einstieg in meinen Blog. Mir kam die Idee, als ich mir dieses Bild mehr oder weniger unbewusst zusammengekehrt hatte und mich gleichzeitig dieser Blog beschäftigte.

Was wir sehen blickt uns an, heißt ein Buch von Didi Hubermann. Weil Hubermanns These ohne meine Erläuterungen zu dem, was ihr auf dem Foto sehen könnt, nur auf eine Privatwelt und damit Idiotie hinauslaufen würde, möchte ich hier ein paar Dinge daraus beschreiben.

Rötlicher Staub

Beim Bohren tiefer Löcher in die Backsteinwand entstanden. Für eine stabile Leiste auf die ich schwere Fenster stellte um daraus Kunst zu machen. Die Fenster hatte ich von Glas Arnold in Fürstenfeldbruck gesponsert bekommen. Auch an dieser Stelle: Vielen Dank!

Die Ausstellung lief unter dem Titel Follow in der Galerie Karin Wimmer. Da ging es um die Umkehrung von den Begriffen Privat und Öffentlich anhand von Fotos, auf denen schlafende Kinder abgebildet sind. Das Bildmaterial kann man sich auf www.flickr.com, einer Online Fotocomunity, downloaden. Die Fenster, die ich vor den Ausdrucken installierte, sind mit einem Strukturglas ausgestattet. Diese Struktur erzeugt eine pixelartige Brechung, mit der das private Leben vor der Öffentlichkeit visuell verschleiert wird.

img_5865_klein             awww! #1, 2016, (Online seit 2013), 1904 Aufrufe

Jeder, der mal sein eigenes Kind beim Schlafen fotografiert hat, weiß, dass solche Bilder eigentlich keinen Platz in der anonymen Öffentlichkeit haben sollten. In den Metatags der Internetseite kann man sehen, dass häufig der Moment der Aufnahme auch mit dem Moment zusammenfällt, in dem das Bild automatisch, weil vom User so voreingestellt, ins Internet hochgeladen und veröffentlicht wird. Mit Download Option in High Resolution Quality!

10v0388aHirtenknabe, 1860, F. v. Lenbach

Den Kunstdruck besitze ich schon lange. Nun gesellt sich eine Prinzessin hinzu. Denn mit dem Staub könnte ich rote Zahlen schreiben. Die Reaktionen auf die Arbeit waren zwiespältig. Die Ästhetik war der Wahnsinn, wirklich! Sobald man aber Kinder zum Thema in der Kunst macht, schrillen sofort die Alarmglocken und die Angst frisst wieder Seelen auf. Wie man sich vorstellen kann, hätte ich eine ganze Reihe von privaten Ausstülpungen ins Netz aufgreifen können. Von Spaghetti Cabonara Gesichtern bis zur Kleintierzucht. Essentiell wird es aber an anderer Stelle. Ob es F.v.Lenbach auch so gegangen ist?

 

Mehr Bilder zu der Ausstellung findet ihr, wenn ihr euch traut das Bild anzuklicken.

img_5838_kleinperfect, 2016, (online seit 2011), 587 Aufrufe

 

Gelber Staub

Das ist das aktuellste Material hier im Atelier. Bestehend aus feinem Pressspanholzstaub, der bei Schleifarbeiten für einen Sockel angefallen ist und den ich Deborah Schamoni gebracht habe, um ihn für die ArtFair in Paris zu verpacken. Auch das gehört zum Berufsbild des Künstlers: Es gibt keins.

cof

 

Braunes Pulver:

Kaffee!!!

Desweiteren:

Eine immerhin abgearbeitete To do Liste, ein rosa Zettel von meiner Tochter Yara (die hat auch das abgebildete Auge aus einer Modezeitschrift ausgeschnitten und damit Zyklop gespielt, sehr lustig!!).

To do now: Das Zyklopen Auge unbedingt wieder aus dem Müll fischen!

 

Empfohlen

Subject: Re: LIDL

From: Anna McCarthy
Date: September 30, 2016 6:05:25 PM GMT+02:00
To: Andrew Gilbert
Subject: Re: LIDL
dear sir CVD,
i think this is spiralling out of control. i am not sure if i can quite associate with your
measures/brutality. don’t you think shooting is a bit harsh ? how about a spanking behind
the rubbish bins ? and we could tie them overnight to the pylons in the carpark and laugh
at them and throw dirty toilet paper at them or something. what do you think?
the needles on the sewing machine are hellishly blunt, but i will give it a try. if the flesh is
still fresh it shouldn’t be a problem.
we can also skype soon and i can show you my progress. we only have 2 days
oktoberfest left !
Begin forwarded message:
From: Anna McCarthy
Date: September 30, 2016 6:07:14 PM GMT+02:00
To: Andrew Gilbert
Subject: Re: LIDL
and apropos gimmicks for our british customers ! i always thought the shrink wrapped all
english breakfast was a star ! we should bring it back and i am still for meat babies.

On Sep 30, 2016, at 7:25 PM, Andrew Gilbert wrote:

Meat babies muchly good ! Fake Branston pickle spread over them
Richard Branston face made of full English breakfast, with vile spaghetti hair medusa
rising like the bulge of Dr Caligari shreaking in the night.
Cross and Blackwells better not sue us over our ‘traditional branstone pickle’ tm … We
need Wimbledon gimmicks … Not want grotty food bank type people , we need reduce
total customers, but aim for the bigger single spenders, the van der moooooozgrooooz
business model, keeeeech Lorraine Kelly.
Do you still go scuba diving with cliff Richard ? Get him on board
Cider
Strawberry and cream to die for
Flame throwers, footage of Japanese soldiers being flamethrowerd by marines
Brexit is an opportunity for change – sand castle cliff Richard with our sandwiches, he
stamps on smelly fly-ridden mosque sand castle and the polluted European tide is turned
back from the gates of his sand castle
Lidl flag swimming trunks cliff, cliff may be bad choice though for our marketing strategy
… Who be can the face for the product range ? Million pound question
New young talent like ? But we need a respected face of authority also, jimmy saville is
dead, but c g I version ? Or puppet ? Wilhelm and Kate

From: Anna McCarthy
Date: September 30, 2016 8:11:15 PM GMT+02:00
To: Andrew Gilbert
Subject: Re: LIDL
Interesting. I was just reading about Kate and how she is a terrified young lady. Terrified
of every move she makes, terrified she might do something wrong. Just a few days ago
Willy and Kate were in some obscure exotic country and were presented with enormous
phallic clams called geoducks. Willy put it quite rightly when he said:

“Presentationally they are quite challenging,”

Empfohlen

Subject: Re: LiDL

wallowing in memory of 2013 visits to LIDL with gabi blum when everything was so much cheaper preparing for the end of the world

na-en-de-na-en-de-na-wida:

foto0051foto0055 foto0053

singing the song of the vegetarians by erich mühsam with the damenkapelle. this thursday this will occur once again to celebrate the opening of our LIDL popupstore in lab bielefeld. cut the red ribbon, hoist the flags and sing along:

the pineapple king is set to speak through me on the topic of our new branch accompanied by tagarian tremors:

Subject: Re: LIDL

On Sep 29, 2016, at 3:34 PM, Anna McCarthy wrote:

aren’t we all a little pre-putrescent ?
On Sep 29, 2016, at 4:00 PM, Andrew Gilbert wrote:

Found the key in a bowl of rice hidden in Andrew eldritches pvc crotch
New cabbage phones on offer at Lidl ! This week only, advert features an impaled
Leonardo do caprio
2 Lidl cabbage phones at foot of impaling shaft
Camera goes back to reveal the cabbages are eyes of the apocalypse beast. Mel
Gibson would be proud of these special effects he wears highlander deodorant from Lidl
(tm)

From: Anna McCarthy
Date: September 29, 2016 4:12:07 PM GMT+02:00
To: Andrew Gilbert
Subject: Re: LIDL
there is an oktoberfest in lidl’s all across finland going on right now.
you can get a polyester pink and green dirndl, cheap as chips.
if you are lucky you can get raped (by leo and mel?) in the aisles and defecate in the
cereal boxes
i bet mel stinks really bad
a bit like a cabbage phone i suppose
keep it away from your nose
what does a pvc crotch smell like ?

to be continued….

Empfohlen

6. Oktober, sau kalt + weiter arbeiten

6. OKTOBER sau kalt & es befiehlt weitermachen

fullsizerender
keeponwalking
img_0768
endlich 1 zustimmungsfähiges

nachtrag 5.10./mittwoch/gestern in der lieblings bar in münchen: die FB –Vortrag (Ghost Album reihe) Pico Be erzählt dem Publikum über Gefahren im Paradies und Generalstreik. https://www.discogs.com/de/General-Strike-Danger-In-Paradise/master/10943

genral strike
text im bild enthält den die folgenden wichtigen und richtigen stellen: – “… a bit of a joke, but it isn´t: laughter is encouraged, but it´s serious …” – “… enough time is lost on biography and bibliography.” und dann, als ich schon nicht mehr damit gerechnet habe, noch ein geschäftchen zu später stunde
img_0769
“Die Kisten sind da !” * * (quelle: http://www.imovies.cc/movies/30838)
Empfohlen

5. Oktober 2016

5. Oktober 2016, heute, einen text schreiben

img_0755
später noch einen text schreiben. / “ich muss jetzt gehn noch einen text schreiben.” / ich muss heute früh ins bett, muss morgen noch einen text schreiben.

besonders interessant #mostinteresting (im gegensatz zu den meisten, eher nicht so interessanten Lebensläufen der vielen, vielen, vielen artists) :

spannender CV (curiculum vitae)

IND119216 Portrait of Miguel de Cervantes y Saavedra (1547-1615) 1600 (oil on panel) by Jauregui y Aguilar, Juan de (c.1566-1641); Real Academia de la Historia, Madrid, Spain; Index; Spanish, out of copyright
out of copyright: Ein Porträtbild, von dem angenommen wurde, dass es C. zeigt. Es gibt allerdings kein Porträt von C., dessen Authentizität gesichert ist.

CV 1.5

cv 2

cv III

Empfohlen

ich lese gerade diesen text über den 3. Oktober in Leibzig

ich lese gerade diesen text über den 3. Oktober in Leibzig “Am echten 3. Oktober 1990 war vielen nicht zum Feiern zumute, sie mussten sich gegen Nazi-Attacken rüsten. Faschos hatten angekündigt, Connewitz zu stürmen, die Stö sollte brennen. (…) Der Autor Sascha Lange erinnert an diesen Tag. Lesen Sie hier den Beitrag »Raketen und Leuchtspurgeschosse« von Sascha Lange aus dem kreuzer 10-2015 – wie gedruckt, ganz oldschool als pdf: Raketen und Leuchtspurgeschosse               

 

Empfohlen

img_1811eberle_21img_1178img_2614img_1607img_1597eberle_05-kopieimg_3290img_3284img_3405img_0783img_3064img_3540eberle_29img_5190

img_3722img_5165img_2720img_5285 img_3677img_6822eberle_33img_5371img_7460img_1492

img_7426_mg_9426

Mit Aquarell, Gouache und Tusche hat Hedwig Eberle einen Zyklus großformatiger Papierarbeiten geschaffen, auf denen sich die lichthelle Farbe, ohne Glas gerahmt, in aller Unmittelbarkeit zeigt. Offen fließt oder steht sie auf den Papieren, ebenso zart wie heftig wird sie auf- oder ausgestrichen, gebündelt oder zerstreut. Im Gegensatz zur Frontalität ihrer ungegenständlichen »Kopf«-Bilder sind diese Arbeiten von allen Seiten her gemalt, so dass sie sich fast schon topografisch ausbreiten.
Um diese immense Ausdehnung beieinander zu halten, sind die Bildkanten wie mit einem Rahmen ausdrücklich durch einen freigelassenen weißen Rand betont. Die expansive Farbigkeit ist freigestellt und gleichsam umso stärker in ihrer bildlichen Einheit gefasst. Zudem bestehen die Bildfelder nicht aus einem Stück, sondern setzen sich aus mehreren, aneinander geklebten Einzelblättern zusammen. Das flüssige Aquarell läuft in die Zwischenräume und setzt sich in den Fugen ab, worauf sich das Papier wölbt und nach dem Trocknen eine rasterförmige Struktur ausbildet.
Durch dieses Raster erhalten die Papierarbeiten eine unterschwellige geometrische Ordnung, die dem aufbrausenden Rausch der Farbe zugrunde liegt wie das Notationssystem mit seinen Höhen und Tiefen, Zäsuren und Intervallen der Musik. Hedwig Eberle vereint diesen ordnenden Halt mit ihren gestischen Ausbrüchen. Ruhe und Bewegung fallen in eins. Das straffe Lineargerüst und der lockere Gestus steigern sich wechselseitig, denn »Struktur ohne Leben ist tot, aber Leben ohne Struktur ist nicht wahrzunehmen«, wie John Cage treffend bemerkte. Die Bildgeometrie gibt gewissermaßen den tragenden Takt, durch den hindurch sich die Farbklänge erst entfalten können.
Die Farbzüge als Gegenpol des rationalen Rasters sind darüber hinaus menschliche Gesten, die sich als Spuren der Hand oder als immaterielle Empfindungen und Erfahrungen der ungegenständlichen Bildordnung einschreiben. Bisweilen sind es sogar ganz buchstäbliche Körperfragmente, die an Fotografien aus Magazinen oder Zeitschriften erinnern könnten. Körper in den unterschiedlichsten Situationen und Posen.
Jetzt aber aus einem durch und durch ornamentalen Gefühl für die Linie gedacht, die die Erscheinung in sich aufgenommen hat und sich selbst beschreibt. Es mag Kleider geben, Schultern, Arme, doch die Linien werden sofort unabhängig, verselbständigen sich. Die Neigung eines Knies oder einer Hüfte geht auf in der rhythmischen Bewegung der zeichenhaften Strichbänder. So dass die Bilder fortwährend zwischen Ordnung und Aufruhr, Gegenständlichem und Ungestalten balancieren.
Wohin dies führen mag, ist heute keineswegs entschieden oder abgeschlossen. Was Hedwig Eberle stattdessen offenbar macht, ist der Prozess des Ringens um Farbe und Form, um die eigene Malerei. In aller Offenheut ist jede ihrer Gesten eine suchende, eine versuchende.

Christian Malycha

Empfohlen

Agitator 2.0

  • Künstler: Beate Engl
  • Titel: Agitator 2.0
  • Jahr: 2014
  • Maße: 120 x 90 x 240 cm, Projektionsgröße variabel je nach Abstand
  • Material: Holz, Plexiglas, gestanztes Kunststoffband, Aluminium, Edelstahl,
    Tageslichtprojektor, Metallstativ, Spieluhr
  • Beschreibung: Licht-Audio-Skulptur mit manueller Steuerung von Ton und Projektion;
    Beschriftung des Notenbands: „Die Realität unseres Programms sind die lebenden Menschen“ (nach einem Plakat von Gustav Klucis)

 

  • Projektion im schnellen Vorlauf:

 

  • Notation:
Notenblatt
Agitator 2.0 Notenblatt

 

  • Sequencer-Oberfläche:

 

  • Reflektion des Apparats  (Zitatsammlung):
    Die Seele des Apparates ist die Verfügung. Der Apparat ist ein Automat: innen ist ein Räderwerk von Verfügungen, oben wirft man bescheidentlich ein Gesuch hinein, und unten fällt etwas heraus: in der Regel eine Dummheit. Kurt Tucholsky: Der Apparat ⁄ In den Produktionsprozess des Kapitals aufgenommen, durchläuft das Arbeitsmittel aber verschiedene Metamorphosen, deren letzte die Maschine ist oder vielmehr ein automatisches System der Maschinerie (System der Maschinerie; das automatische ist nur die vollendetste adäquateste Form derselben und verwandelt die Maschinerie erst in ein System), in Bewegung gesetzt durch einen Automaten, bewegende Kraft, die sich selbst bewegt; dieser Automat, bestehend aus zahlreichen mechanischen und intellektuellen Organen, so dass die Arbeiter selbst nur als bewusste Glieder desselben bestimmt sind. Karl Marx: Grundrisse der Kritik der Politischen Ökonomie ⁄ Mann der Arbeit aufgewacht und erkenne deine Macht. Alle Raeder stehen still, wenn dein starker Arm es will. Bundeslied für den Allgemeinen Deutschen Arbeiterverein ⁄ Nicht wie beim Instrument, das der Arbeiter als Organ mit seinem eignen Geschick und Tätigkeit beseelt und dessen Handhabung daher von seiner Virtuosität abhängt. Sondern die Maschine, die für den Arbeiter Geschick und Kraft besitzt, ist selbst der Virtuose, die ihre eigne Seele besitzt in den in ihr wirkenden mechanischen Gesetzen und zu ihrer beständigen Selbstbewegung. Karl Marx: Grundrisse der Kritik der Politischen Ökonomie ⁄ Freilich dreht das Rad sich immer weiter, dass was oben ist nicht oben bleibt. Aber für das Wasser unten heißt das leider nur, dass es das Rad halt ewig treibt. Bertolt Brecht: Ballade vom Wasserrad ⁄ I said that the nature of an apparatus is essentially strategic, which means that we are speaking about a certain manipulation of relations of forces, of a rational and concrete intervention in the relations of forces, either so as to develop them in a particular direction, or to block them, stabilize them, and to utilize them. Michel Foucault: Interview 1977 ⁄ a. It is a heterogeneous set that includes virtually anything, linguistic and non linguistic. under the same heading: discourses, institutions, buildings, laws, police measures, philosophical propositions, and so on. The apparatus itself is the network that is established between these elements. b. The apparatus always has a concrete strategic function and is always located in a power relation. c. As such, it appears at the intersection of power relations and relations of knowledge. Giorgio Agamben: What is an apparatus? ⁄ On the one hand there was the military use as an apparatus for besieging, conquering or defending cities, in other words as a war machine, while on the other hand it was also used as a comprehensive term for the machinery of the theater. This bifurcation into the fields of war and theater, however, does not imply a separation into the material and the immaterial meaning along the boundaries of these two fields. In both cases of application the term both holds the technical meaning of apparatuses, frames, devices as well as the psychosocial meaning of trick, artifice, deception. This ambiguity is most adequately transported in English by the word “invention” (from Latin invenio meaning “to find, to come upon”): the machine is an invention, an invented device, and it is an “invention” as an invented story, as a deception, as a machination. Gerald Raunig: A thousand machines ⁄ Erfüllen wir den Plan der großen Arbeiten! Gustav Klucis: Plakatentwurf ⁄ Das Befremden des Darstellers vor der Apparatur (…) ist von Haus aus von der gleichen Art wie das Befremden des Menschen vor seiner Erscheinung im Spiegel. Nun aber ist das Spiegelbild von ihm ablösbar, es ist transportabel geworden. Walter Benjamin: Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit ⁄ The ideological mechanism at work in the cinema seems thus to be concentrated in the relationship between the camera and the subject. The question is whether the former will permit the latter to constitute and seize itself in a particular mode of specular reflection. Ultimately, the forms of narrative adopted, the “contents” of the image, are of little importance so long as an identification remains possible. What emerges here (in outline) is the specific function fulfilled by the cinema as support and instrument of ideology. It constitutes the “subject” by the illusory delimitation of a central location – whether this be that of a god or of any other substitute. It is an apparatus destined to obtain a precise ideological effect, necessary to the dominant ideology: creating a phantasmatization of the subject, it collaborates with a marked efficacy in the maintenance of idealism. Jean-Louis Baudry: Ideological Effect of the Basic ⁄ Im Filmatelier ist die Apparatur derart tief in die Wirklichkeit eingedrungen, daß deren reiner, vom Fremdkörper der Apparatur freier Aspekt das Ergebnis einer besonderen Prozedur, nämlich der Aufnahme durch den eigens eingestellten photographischen Apparat und ihrer Montierung mit anderen Aufnahmen von der gleichen Art ist. Der apparatfreie Aspekt der Realität ist hier zu ihrem künstlichsten geworden und der Anblick der unmittelbaren Wirklichkeit zur blauen Blume im Land der Technik. Walter Benjamin: Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit ⁄ Nieder mit der Kunst, lang lebe die Technik. Alexander Rodtschenko und Warwara Stepanowa: Produktivistenmanifest ⁄ Nieder mit der Kunst. Es lebe die Agitreklame! Gustav Klucis, Entwurf eines Propagandastands ⁄ Devo broaden their critique of 1960s rock’n’roll to include US corporate capitalism, recognizing the covert function of rock within consumer society as a propaganda tool for the myth of individualism: “What do you think rock and roll is in America…besides Propaganda for Corporate Capitalist Life? Most rock musicians, they’re no more than clerks or auto mechanics, you know…(…) The system is totally geared toward profit, obviously. The artist is usually a willing victim because he’s a middle-class shit himself.” in: Dan Graham: Rock/Music Writings ⁄ Die Realität unseres Programms sind die lebenden Menschen! Gustav Klucis: Plakatentwurf
Agitator 2.0, Ausstellungsansicht Badischer Kunstverein 2014
Agitator 2.0, Ausstellungsansicht Badischer Kunstverein 2014

 

Empfohlen

Philipp Gufler

Gespräch mit Erich Haas

2014, 25 Min., OmeU
Ein Filmporträt von Philipp Gufler und Liane Klingler in Zusammenarbeit mit dem Forum Homosexualität München e.V.
Kamera: Christopher Aoun, Sound: Colin Djukic

Das Filmporträt erzählt die sozialen und politischen Repressionen gegenüber Homosexuellen im Nachkriegsdeutschland anhand eines Gesprächs mit dem 97 Jährigen Erich Haas nach, der als Empfangschef in Hotels in München nach dem Zweiten Weltkrieg arbeitete. Am Stachus, einem damaligen schwulen „Brennpunkt“, lernte Haas 1949 seinen Freund Klaus Linde kennen, mit dem er bis zu dessen Tod 1988 zusammenlebte. Zusammen waren sie Ende der 50er die Besitzer einer kleinen „Herrenbar“ in der Nähe des Isartors, die Haas im Film das erste Mal seitdem wieder besuchte.
Ihr Leben stand im Schatten des §175, der 1872 im deutschen Kaiserreich in Kraft trat, 1935 von den Nazis verschärft wurde und auch nach dem Zweiten Weltkrieg weiter gleichgeschlechtliche Liebe kriminalisierte. Haas und Linde kamen mehrmals mit dem Paragraphen in Berührung, der erst 1969 entschärft wurde.
Ein Gespräch mit Erich Haas über den § 175, die schwule Szene in den 1950er und 60er Jahren, die weiterhin ins gesellschaftlich Unsichtbare gedrängt wurde, und seine Liebe zu Klaus.


_dsc4211b

image-kopie-3

image-kopie-4

image-kopie-6

image-kopie-5

PHILIPP GUFLER:

Quilt #07 (Petit Cafè) [mit Fotos von Erich Haas] 2015, Ausstellungsansicht “PHILIPP GUFLER: Een Gebeuren“, 09.09 – 29.10.2016, Galerie Françoise Heitsch, Amalienstraße 19, 80333 München


Weitere Arbeiten aus der Serie Quilt:

Philipp Gufler

Foto: Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau

2016_favoritenausstellung_kunstbau_guflerph_3

Foto: Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, München

dscf3448

Quilt #05 (Wolfgang M. Faust), 2014

quilt-03-klaus-nomi_klein

Quilt #03 (Klaus Nomi), 2014

quilt-04-gustl-angstmann_klein

Quilt #04 (Gustl Angstmann), 2014

quilt-06-kurt-raab_klein

Quilt #05 (Wolfgang M. Faust), 2014

quilt-01-hubert-fichte

Quilt #01 (Hubert Fichte), 2013

_pas4272

Quilt #10 (Gusti), 2016

_mg_8161

Quilt #12 (Ben d’Armagnac), 2016

_dsc4224b

Quilt #11 (August von Platen), 2016

Alle Quilts Siebdruck auf Stoff, 180 x 90 cm, Courtesy Françoise Heitsch, München

Empfohlen

Franz Wanner, DUAL-USE, 2016

 



Franz Wanner, DUAL-USE, 5-Kanal-Installation, 2016
Bildschirme, Soundglocken, Stahlbänke, Beamerprojektionen

DUAL-USE I: Global Cocktail, HD Video, 4 Min.
DUAL-USE II: Biosprengstoff, HD Video, 1 Min.
DUAL-USE III: Kampfmodel, HD Video, 3 Min.
DUAL-USE IV: Or do we have the same?, HD Video, 11 Min.
DUAL-USE V: Weltverzweiflungsmaschine, Programmcode, – ∞
DUAL-USE Publikation, 24 Seiten, Farbe, 9 Abbildungen

DUAL-USE, Installationsansicht Kunstbau, Franz Wanner, 2016

Die Installation DUAL-USE* zieht den titelgebenden Begriff in Zweifel. Vier Bildschirme zeigen fragwürdige Favoriten einer globalisierten Waren- und Wissensproduktion.

Die Tätigkeit einer Drohnenpilotin der US-Armee, die parallel als Model arbeitet, wird von Dauerregen unterlaufen – weder der Strike noch das Shooting lassen sich bei Niederschlag erfolgreich durchführen. Ein Chemieprofessor sitzt im Explosionswind, während er seinen Rüstungsauftrag im deutschen Bildungssystem verteidigt. Der Geschäftsführer eines Dual-Use-Herstellers ist von Knallgeräuschen seiner eigenen Produkte irritiert. Eine Entwicklerin humanoider Roboter begegnet deren Potentialen zwischen Krieg und Kinderzimmer.

DUAL-USE, Installationsansicht Kunstbau, Franz Wanner, 2016

Den Videos werden Störgeräusche entnommen und an eine Programmierung geschickt, die sie kombiniert und im Raum wiedergibt. Die ökonomisierten Ambitionen der Akteure steigern die Performance der Weltverzweiflungsmaschine. Sie verbreitet das algorithmische Grundrauschen einer militarisierten Massenkultur, die ihr eigenes Störgeräusch permanent produziert und nicht mehr wahrnimmt. Der Programmcode, der dem Schallgebilde zugrunde liegt, läuft als großflächig projizierter Zeichenstrom unablässig über die Rückwand des Ausstellungsraums.

DUAL-USE, Installationsansicht Kunstbau, Franz Wanner, 2016

 

*Definition „Dual-Use“

  • Produkte und Technologien, die sowohl zivil als auch militärisch genutzt werden können
  • Rüstungsgüter, die nicht als solche deklariert werden, um Exportverordnungen zu umgehen
  • Wissenschaft und Forschung, die dem Wohl der Menschheit dient, in den falschen Händen
    (also nicht den eigenen) aber zur Katastrophe führt

 

Still aus DUAL-USE III: Kampfmodel, 3 Min., Franz Wanner, 2016
Still aus DUAL-USE III: Kampfmodel, 3 Min., Franz Wanner, 2016 

DUAL-USE, Radio
Franz Wanner im Interview mit Joana Ortmann, 25.07.2016
http://www.br.de/radio/bayern2/kultur/kulturwelt/franz-wanner-dual-use-lenbachhaus-favoriten-iii-100.html

DUAL-USE, Publikation
24 Seiten, Farbe, 9 Abbildungen, deutsch und englisch
Konzept und Text: Franz Wanner, 2016

Die Publikation DUAL-USE ist Teil der gleichnamigen Installation und liegt während der Ausstellung im Kunstbau zum mitnehmen aus. Als Printfassung und zum kostenlosen Download ist das Heft erhältlich unter http://www.imi-online.de/2016/07/21/dual-use

Abrüstungskontrolle, Franz Wanner, 2016
Freiwillige Fremdkontrolle, Franz Wanner, Wachtberg 2016

Das weltgrößte Radom gehört zum Fraunhofer-Institut für Kommunikation, Informationsverarbeitung und Ergonomie (FKIE) in Wachtberg. Das FKIE kooperiert mit der Friedrich-Wilhelms-Universität Bonn und ist Mitglied im Fraunhofer-Verbund Verteidigungs- und Sicherheitsforschung (VVS). Eine gemeinsame Forschungsarbeit des FKIE und des Instituts für Informatik der Universität Bonn trägt den Titel „A component-based approach to visual person tracking from a mobile platform”. In dem Projekt registriert ein mobiler Roboter Merkmale wie Haar- und Hautfarbe, um Personen selbständig zu erkennen und zu verfolgen.

 Still aus DUAL-USE IV: Or do we have the same?, 11 Min., Franz Wanner, 2016
Still aus DUAL-USE IV: Or do we have the same?, 11 Min., Franz Wanner, 2016

Militärische Verwundbarkeitsanalysen zeigen die menschliche Gegenwart als Schwachstelle. Selbst staatlich organisierter Vorsorgeterrorismus, der seine technologische Exzellenz im bewaffneten Fernlenkvideo sieht, kann die angreifbare Restpräsenz seiner Drohnenoperateure nicht auf null reduzieren. Ihre bodenlose Tätigkeit über Livebilder Anschläge aus der Luft zu verüben, lässt sie körperlich unverletzt, aber kann sie mit existenziellen Zweifeln an ihrer Berufswahl belasten. Im Gegensatz dazu sind autonome Systeme frei von Identität und funktionieren zweifellos. Die Kommunikation zwischen Kamera und Zielsensorik übernimmt ein Algorithmus, der Lebensmuster analysiert und abweichende Elemente substrahiert. Maschinen erweisen sich als intelligent genug, um Waffen zu betätigen. Die Frage, ob sich Menschen als intelligent genug erweisen, um sich nicht wie Maschinen betätigen zu lassen, beantwortet Bob, der als eine der führenden künstlichen Intelligenzen gilt, mit hochaufgelöstem Glitch.

Franz_Wanner_DUAL-USE_IV_Or_do_we_have_the_same?_still1_2016
Still aus DUAL-USE IV: Or do we have the same?, 11 Min., Franz Wanner, 2016

unofficial website



 

Empfohlen

Babylonia Constantinides

Babylonia Constantinides, “Die Kultur der Spaltung:
Radien nuklearer Verstrahlung im Erzählraum”, 2015, Auszug:

Eine Gesellschaft definiert sich über Ausschluss. Auch mentaler Raum strukturiert sich durch Abgrenzung. Die Trennung in Sinn und Unsinn, in Vernunft und Wahn ist eine geschichtliche Konstante. Was Wahnsinn ist, bestimmt die jeweils gültige Vernunft. Der Mechanismus der Isolation schafft einen Leerraum, der zum integralen Bestandteil wird. In ihm bildet sich die Ordnung der Umgebung wie in einem Negativ ab. “Diese Struktur ist konstitutiv für das, was Sinn und Nicht-Sinn ist, oder vielmehr für jene Reziprozität, durch die sie miteinander verbunden sind.” (Foucault: Wahnsinn und Gesellschaft. Frankfurt a.M. 1969, S.12) Die Ideologie des Dualismus konkretisiert sich in der Kultur der Spaltung. Der Erfahrung mit Radioaktivität kann sich niemand entziehen. Ihre physikalische Allgegenwart steht in paradoxem Verhältnis zur mentalen Auslagerung aus dem Alltag. Die Kluft zwischen der Reflexion über atomare Technologien und deren Anwendung kann als nukleare Schizophrenie gefasst werden. Die Unzulänglichkeit im Umgang mit Radioaktivität enthüllt die Praxis der Kernspaltung als gesellschaftlich integrierten Wahnsinn.

Die wissenschaftliche Arbeit “Die Kultur der Spaltung: Radien nuklearer Verstrahlung im Erzählraum” erörtert, wie Radioaktivität in der Gesellschaft und den ihr zur Verfügung stehenden Medien verhandelt wird. Die multiple Verschachtelung unterschiedlicher Perspektiven spannt ein Netz aus Korrespondenzen, das die Praxis der Kernspaltung als integrierten Wahnsinn begreift, und lässt sich als Vorwort zur Videoinstallation “Radiation Room” verstehen.

Babylonia Constantinides, „Radiation Room“, 2016, 3-Kanal-Installation, Schriftfolie, Laminat, 43 qm, 9 Min., Installationsskizze
Babylonia Constantinides, „Radiation Room“, 2016, 3-Kanal-Installation, Schriftfolie, Laminat, 43 qm, 9 Min., Installationsskizze

Babylonia Constantinides, “Radiation Room”, 2016
3-Kanal-Installation, Schriftfolie, Laminat, 43 qm, 9 Min.

“Radiation Room” reflektiert den gegenwärtigen Umgang mit nuklearer Technologie. Als 3-Kanal-Projektion in Strahlenform des Atomsymbols entwerfen Found Footage, Elektrosound und ein innerer Monolog die Perspektive nach einer atomaren Apokalypse. Das Rondell im Kunstbau wird zum Kernreaktor und Kontrollraum, zum Verfassungsgericht, in dem die Schadensersatzklage gegen den Atomausstieg verhandelt wird, zur Kanzel, von der aus das Wissen über die Lagerung des radioaktiven Mülls weiter­ge­geben wird und schließlich zur weltumspannenden Röntgen-Röhre. Schwarz spiegelnd öffnet sich der Boden als Abgrund:

“Sieht so aus, als habe die Radioaktivität die Negative selbst entwickelt. Die Geschichte entlädt sich in einer gewaltigen Erschöpfung. Zonen verschwinden in der Masse der Erinnerung. Abgetragene Böden – mit der Fingerspitze vom Bild­schirm gestrichen. Eine Wolke müsste man sein: schwebend über die verstrahlte Erde schweifen. Tourismus im Terrain Vague: Kosmische Kolonien und Urlaub auf dem verbotenen Planeten!” Babylonia Constantinides, “Radiation Room”, Auszug aus dem Off-Text

Babylonia Constantinides, „Radiation Room", 2016, Installationsansicht, Foto: Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau
Babylonia Constantinides, „Radiation Room”, 2016, Installationsansicht, Foto: Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau

Als Kernzelle bietet “Radioation Room” den Einstieg zu einer weiteren Arbeit, die von der Stadt München mit dem Projektstipendium “Junge Kunst / Neue Medien” gefördert wird: https://www.muenchen.de/rathaus/Stadtverwaltung/Kulturreferat/Kulturfoerderung/Stipendien/junge_kunst_neue_medien_kunst/2015.html

Babylonia Constantinides, „Schwarze Spiegel“, Videoparkour, Projektentwurf
Babylonia Constantinides, „Schwarze Spiegel“, Videoparkour, Projektentwurf

Babylonia Constantinides, “Schwarze Spiegel”,
Projektskizze für einen Videoparkour:

Über Kopfhörer und Tablet gibt der geplante Videoparkour die Bewegung durch eine atomar verseuchte Landschaft vor. Kurze Filmsequenzen, die am Aufführungsort inszeniert wurden, und die Erzählstimme des letzten Menschen führen durch den Realraum. Als Schwarze Spiegel machen die Monitore die Relikte der Katastrophe erst sichtbar: Orte der Verwüstung und der Leere, biometrische Ausweise auf beinernen Brüsten und digitale Daten mit den letzten Nachrichten von Verstorbenen. Eine Partitur von Handlungsanweisungen fordert die Interaktion mit der Umgebung. Das Zusammentreffen mit einer anderen Figur löst Angst aus. Der Bildschirm des apokalyptischen Szenarios wird zum Fadenkreuz einer Waffe. Der Gebrauch der Waffe gefährdet das Überleben ebenso wie die Praxis der Kernspaltung. Der Fortgang der Geschichte ist bedroht.



 

Empfohlen

Robert Crotla

mime-attachment_v_4
Robert Crotla, The Stairs, 2016, v.l.n.r. Aufnahme im Lenbachhaus und im Kunstbau, Courtesy der Künstler
Robert Crotla, The Stairs, 2016, v.l.n.r. Aufnahme im Lenbachhaus und im Kunstbau, Courtesy der Künstler
Robert Crotla, Ausstellungsansicht „FAVORITEN III: Neue Kunst aus München“ Foto: Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, München, Courtesy der Künstler
Robert Crotla, Archiv, 2006-2008, Galerie Christine Mayer, Courtesy der Künstler
Robert Crotla, Archiv, 2006-2008, Foto: Frank Stürmer, Galerie Christine Mayer, Courtesy der Künstler

Diplomatie, heißt es, sei eine Kunst. Und von der Kunst wissen wir speziell in München, dass sie viel Arbeit macht. Und künstlerische Arbeit, so sagt man wenigstens, wäre ein Sonderfall von Arbeit – auch wenn wir hier nicht von der grundsätzlich disproportionalen Honorierung dieser Arbeit sprechen wollen. Sehr wenige Künstler sind (für alle anderen regelrecht beleidigend) über-, die allermeisten gnadenlos unterbezahlt. Vom tatsächlichen Wert künstlerischer Arbeit und wie dieser in die gleichermaßen statistischen, gesellschaftlichen, ästhetischen und epistemischen Unverhältnismäßigkeiten hineinspielt, möchten wir hier gar nicht erst anfangen. Denn Grundvoraussetzung wie der Zweck künstlerischen Arbeitens bestünden, idealerweise, genau in deren Zweckfreiheit. Doch wie frei und ferner wie selbstbestimmt kann die künstlerische Arbeit überhaupt betrieben, Praxis werden, wo Kunst (machen) doch eigentlich immer schon Kunst (haben) als Voraussetzung hat (speziell, wenn Konsens ist, dass Kunst an und für sich einen Wert hat)?

Diese Frage mag vor allem die Theorie der Kunst betreffen. Für Künstler wird sie gleichwohl dann relevant, wenn es darum geht zu klären, ob man Kunst (zuerst) braucht um sie (dann) entsprechend wollen zu können. Oder ob man, sozusagen from scratch, einfach mal irgend etwas wollen kann, was sich vielleicht unterm Machen, vielleicht als Gemachtes, Gezeigtes und Bewertetes als Kunst herausstellt.

Eher, als über konkrete Arbeiten zu sprechen, macht es im Falle des ziemlich tief im gelebten Leben verankerten künstlerischen Projekts – Projekt stimmt, wer nicht Mission sagen möchte – von Robert Crotla Sinn, über die Strecken zu sprechen, die zwischen Kunst haben und Kunst machen liegen oder über zuerst und danach. Es ist insofern hilfreich, weil Crotla, auch weil er, wie seine bisherige Biographie zeigt, eben gar nichts anderes als grundsätzlich immer Kunst machen kann und das meistens auch irgendwie will, seine konkreten künstlerischen Arbeiten – im weiteren Sinne von ihm signierte ‚Werke’ vom Bildobjekt bis zum Personen- und Institutionen-, ja ganze Städte-übergreifenden kuratorischen Set-ups – ganz extrem auf die Anlässe bezieht, die ihm erlauben die Kunst im Großen und Ganzen sozusagen in publikumskompatibleren Formaten der Kunst zu machen.

Dass er Material sammelt und arrangiert, malt, plastisch assembliert, gestalterisch und konzeptionell einrichtet, sich – auch ohne Gegenüber – expressiv äußert oder intensiv kommuniziert, dass er einerseits Bilder, Objekte und andererseits komplette Ausstellungen abliefert, hat mit den Distanzen zu tun, die er gegenüber Kunst einnimmt und die er für sich, zusammen mit und gerne auch gegen alle anderen markiert.

Wollte man von einem Modus sprechen, in dem sich sein sich zwar äußerst heterogen äußerndes künstlerisches Werk, dabei aber offensichtlich kohärentes Projekt, darstellt, dann wäre es der Modus des (immer neuen, immer anders) Aushandelns. Von Bedingungen braucht dabei noch nicht einmal die Rede sein, auch nicht, dass speziell vormoderne Künstler nicht selten gewiefte Diplomaten gaben, denken wir an Tizian, Vélazquez bevor sich mit der Moderne die Kunst mit antiästhetischem Furor und mimetischer Hingabe ins Politische drängte.

Kein Wunder, dass Robert Crotla seine Ausstellungsbeiträge gerne auf Platzhalter und Parerga (ein Archiv mit Bildmaterial aus mehreren Jahrgängen der Zeitschrift „Spiegel“ als Zeichen für Historie, Transport- und Verpackungskisten als signifikante Exoskelette für den mit Kunstobjekten gern in Verbindung gebrachten Wert) oder regelrechte Lücken und Löcher beschränkt, damit zugleich aber soziale oder institutionelle Räume sprengt. Stünde diesen Arbeiten die Kunst demnach immer schon zur Verfügung, als Begriff, Ding oder in Helmut Draxlers Sinn „gefährliche Substanz“, die sich noch aus der letzten Ritze hervordrückt? Oder geht es in Crotlas durch und durch originärer – und entsprechend undiplomatischen – Praxis nicht doch um ein Schaffen ex nihilo, das aus dem nichts immerhin etwas, das deshalb zurecht gerade auch Kunst heißen kann, zu machen versteht? Diese beiden Aspekte sind auf jeden Fall anwesend in einem Projekt, das sich dem Risiko aussetzt Kunst sein zu wollen, selbst wenn es weder Kunst als Voraussetzung noch als reale Aussicht gäbe. Wenn im Museum andererseits eh immer der Platz nicht reicht, umso besser.

Hans-Jürgen Hafner (2016)

Empfohlen

Schönschreiben

Schönschreiben
»›Meine Handschrift ist tadellos. Hierin besitze ich allerdings Talent, und wenn man will, kann man mich vielleicht sogar einen Künstler nennen, was das Schreiben anbelangt. Geben Sie mir ein Blatt Papier, ich werde Ihnen etwas zur Probe schreiben‹, sagte der Fürst, ganz bei der Sache.«
Dostojevskij, Der Idiot

Fürst Myschkin, der Antiheld aus Dostojevskijs Idiot, zeichnet sich nicht nur durch seine liebenswerte Naivität, sondern auch durch seine schöne Handschrift und seine Begeisterung für die »wundervollen Schreibutensilien« des Generals Jepantschin aus.
Schönschreiben hat immer etwas Anachronistisches und Naives an sich, und auch im Anachronistischen liegt eine naive Begeisterung. So erscheint die Begeisterung des Fürsten für die Schreibutensilien dem gegenwärtigen Blick naiv. Handschrift wird im Computerzeitalter höchstens gebraucht, um Arztformulare auszfüllen – und dazu reicht ein Kugelschreiber.
Ein weiterer Grund für diese Wahrnehmung des Schönschreibens könnte sein, dass die Kulturtechnik des Schreibens, deren eigentliche Funktion es ist, Informationen weiterzugeben, hier eine weitere bekommt: schön zu sein. Schöne Handschrift legt den Verdacht nahe, dass es beim Schreiben weniger um den Sinn des Geschriebenen als um die Tätigkeit selbst geht, schöne Schrift mit schönen Utensilien herzustellen – oder die Schrift zu betrachten, ohne ihre Bedeutung wahrzunehmen. Der Fokus des Schönschreibenden liegt scheinbar nicht auf der Produktion von Sinn, sondern auf der Ausführung eines Schreibhandwerks.
Andreas Chwatal schreibt seine Texte nicht mit einer Maschine und entzieht ihnen damit die Möglichkeit, einfach reproduzierbar zu sein. Seine Texte sind Artefakte, die zwar kopiert werden können, aber, anders als etwa bei einem Gedichtband, mit der Kopie an Originalität verlieren.
Auch die Präsentationform an der Wand, möglicherweise sogar in einem Objektrahmen, zeigt, dass es sich hier nicht um gewöhnliche Texte handelt, die gedruckt in ein Buch gehören. Chwatal rückt sie buchstäblich in die Nähe von Bildern und lässt die Betrachter_innen damit zwischen drei Rezeptionsmodi wählen:

1. Sie können als Bilder betrachtet werden, also als Schriftstücke an der Wand, die auf einen lesbaren Sinn verweisen, der aber nicht unbedingt gelesen werden muss.
2. Sie können gelesen werden, ohne dass man beim Lesen den Sinn richtig versteht. Man springt wie beim unkonzentrierten Lesen von Wort zu Wort und stellt am Ende fest, dass man zwar gelesen, aber den Inhalt nicht erfasst hat.
3. Oder sie können im landläufigen Sinne des Wortes gelesen werden – also gelesen und inhaltlich verstanden.

Egal welchen Rezeptionsmodus man wählt, alle verweisen auf die Möglichkeit einer linearen zeitlichen Abfolge, eines Nacheinanders von Wahrnehmung. Im Gegensatz zum Bild, das auf einmal wahrgenommen werden kann, verweist der Text, wie auch immer er gelesen wird, auf eine lineare zeitliche Ausdehnung.
Anders als bei gemalten Bildern entstehen in den gemalten Texten die sprachlichen Bilder nacheinander. Um die ganze Szene, die Chwatal mit seinen Texten aufruft, vor dem inneren Auge zu haben, muss man sie zuerst komplett lesen. Sie entsteht also während der Lektüre im Kopf der Leser_innen.
Auf diese Weise erzeugt Andreas Chwatal durch seine Texte Bilder, die seinen Zeichnungen ähneln, sich aber im Sehen erst entwickeln bzw. von der Leser_in realisiert werden müssen. Der Prozess der Bildwerdung kann von den Leser_innen nachvollzogen werden.
Die Handschrift hat somit zwei Funktionen: Auf der handwerklichen Ebene der anachronistischen, handschriftlichen Gemachtheit verweist sie auf die Naivität und die Freude am spielerischen Umgang mit dem Material. Auf inhaltlicher Ebene vermitteln sie den Leser_innen die Langsamkeit des mußevoll schweifenden Blicks, durch den Chwatals Bildwelten entstehen. Es ist der detaillierte Blick des Malers und der kindlich spielerische Blick, der in den realen Dingen andere, fantastische Dinge sieht, so, wie Kinder Schlösser in Wolken sehen können: Chwatals Texte können letztlich als eine Poetik seiner Bilder gelesen werden.

Tillmann Severin

Empfohlen

#generationbataclan

#generationbataclan
Großes Chaos, Turnschuhe schweben durchs Bild, es blitzt das französische Wort „Carnages“ (Blutbad, Massaker) auf und am rechten oberen Bildrand steigt als ein Deus ex machina ein behelmter Jüngling herab, dessen feine Gesichtszüge und spitzer Mund alles andere verkünden, als dass sich die Tragödie in einem Akt der Gewalt auflösen ließe.

Der Titel von Andreas Chwatals Collage „Bataclan“ führt den Betrachter unmittelbar zu den Geschehnissen am Abend des 13. November 2015. Bataclan ist nach dieser Nacht zu einem weltweiten Begriff für Gewalt und Terrorismus geworden, wie auch Charlie Hebdo oder Nizza durch die Ereignisse der jüngsten Vergangenheit neue Bedeutungen zugewachsen sind.

Die Zeitschrift Libération titelt in der Ausgabe vom 14. November: „Carnages à Paris“. Das Bildmotiv auf der Frontseite zeigt einen halbnackten, verletzten und benommen wirkenden jungen Mann, der von zwei Einsatzkräften gestützt und getragen wird. Sein blutendes, verbundenes Handgelenk unterstreicht die unwillkürliche ikonographische Bezugnahme auf die Kreuzabnahme Jesu. Andreas Chwatal verwendet dieses Titelblatt als Folie, die sich als Tuschzeichnung im Hintergrund auf die fast 2.50 m hohe Collage erstreckt. Durch die Überlagerung mit anderen Bildelementen bleiben von der Männergruppe vor allem die drei zueinander gewandten Köpfe als ein Triumvirat sichtbar, das sich in der linken Bildhälfte zum Hauptmotiv entwickelt und als einziges kompositorisches Gegengewicht zu der dominanten Gottheit agiert. Von der Headline im unteren Bilddrittel ist noch „Carnages“ und „Paris“ zu entziffern. In der Mitte des Schriftzugs teilt sich das Material in zwei Ebenen. Wie an einer ausgeblichenen Plakatwand scheint die Hälfte des Schriftzugs schon abgerissen. Ein Teil des Titels wird zudem von einem T-Shirt-Ständer verdeckt, der sich ohne ein Rahmensetting in der Bildmitte auftut. Zuvorderst hängt ein Shirt mit dem Aufdruck „Vans“ und verweist auf Massenkonsum und Jugendkultur. Beim Anschlag im Bataclan starb ein Mitarbeiter der Band „Eagles Of Death Metal“, der am Merchandise Stand gearbeitet hatte. Wie keiner der anderen Terroranschläge der jüngeren Zeit, so scheint es, richtete sich der Angriff rund um das Bataclan gegen eine gelebte Jugendkultur.

Der Blick wandert zurück zu den schwebenden Turnschuhen. Nehmen sie tatsächlich nur eine Rolle innerhalb einer Erzählung ein, bei der in einem der ältesten Konzertsäle für Unterhaltungsmusik in Paris das Leben zahlreicher junger Menschen dem Terror zum Opfer fällt? Spielen sie auf die Fotos der Presse an, auf denen am Morgen nach dem schrecklichen Ereignis vereinzelt Schuhe neben anderen zurückgelassenen persönlichen Gegenständen am Straßenrand zu sehen sind und symbolisieren, dass ihre Besitzer, ihre Träger nicht mehr da sind?
Die Turnschuhe hier im Bild erinnern nicht an verlorene Schuhe oder daran, dass jemand sie zurücklassen musste. Sie sehen vielmehr so aus, als wären sie zur Werbung inszeniert. Der Sneaker gilt seit den 1970er Jahren als Modeschuh No. 1 der Jugendkultur und hat spätestens mit dem Air Jordan in den 1980er Jahren eine Kultrolle in der Geschichte der Popkultur eingenommen. Einzelne Modelle werden verbunden mit Persönlichkeiten vom Basketballspieler Michael Jordan über Sänger und Musikproduzent Kayne West bis zu Schauspielerin Uma Thurman, die in ihrer Rolle als Black Mamba in Kill Bill den Absatz für gelb-schware Onitsuka Tiger in die Höhe schnellen ließ. Der Turnschuh hat sich populärkulturell so durchgesetzt, dass er durch alle Ethnien, Glaubensrichtungen, Kontinente und Gesellschaftsschichten getragen wird. Es gibt vermutlich kein demokratischeres Kleidungsstück, auch wenn sich bestimmte Debatten – gerade wenn es um seine Rolle als Fetischobjekt geht – am Turnschuh entzünden. Sogar von Turnschuhmorden ist in den 1990er Jahren in den Zeitungen zu lesen: Jugendliche fielen in den USA auf offener Straße aufgrund ihres begehrenswerten Schuhwerks Raubmorden zum Opfer. Ein trauriger Höhepunkt von Kapitalismus und Konsumgesellschaft. Spike Lee ebenso wie Michael Jordan sollten sich als Werbefiguren rechtfertigen, dass ihre Fans offenbar weit entfernt von guter Erziehung seien. Hätte man dies einem weißen Filmproduzenten und einem weißen Sportler vorgeworfen? (1) Diese Diskussion führt in eine andere Richtung, ist allerdings untrennbar mit der Frage um die kulturelle Bedeutung des Sneakers verbunden.
Die Schuhe – in Chwatals Bild gleiten sie förmlich durchs Bild – wirken als wären sie von der jungen Gottheit selbst herabgesandt worden. Ein Modell von Nike scheint oberhalb der göttlichen Hand zu schweben und unweigerlich als Referenz auf die Siegesgöttin zu agieren. Die Schuhe stehen in Dialog mit ihrem eigenen Abdruck, der sich als ein weiteres Bildelement wie ein Leitmotiv durch die Collage zieht. Primär verkörpern sie beinah Trompe-l’oeil-artig dargestellt das Objekthafte, den Fetisch und damit einen Konsumgegenstand über den sich sein Besitzer als Person zu definieren sucht. Der Turnschuh symbolisiert am Ende nämlich doch die Zugehörigkeit zu einer Gruppe, einer Klasse. Mit Modellen wie dem Air Max referiert Chwatal dabei auf jenen Moment, in dem der Kult auf die Spitze getrieben und der Schuh zur Massenkultur wird. Die Fußabdrücke stammen von Chwatals eigenen Schuhen – einem alten Paar Duffs und einem Modell von Le Coq Sportif – und betonen das Objekthafte der Collage selbst. Der flache Schuhabruck kontrastiert die Plastizität der übrigen Darstellungen und legt sich als eine Ebene auf das Bild, die den Betrachter an die Gemachtheit und an den Charakter des Kunstwerks selbst als ein Fetischobjekt erinnert. Als Oberflächenäußerung ist somit nicht nur der Turnschuh selbst als Symbol (und nicht als narratives Element) zu verstehen, sondern auch die oberste Schicht in Chwatals Collage.

Eine Arabeske setzt am unteren Bildrand an, deren Ornamente und Verjüngungen sich in schwarz wie Blumen, die aus Trauer und zum Gedenken abgelegt werden, ausbreiten. Einzelne Verästelungen geben den Blick auf Szenerien frei: ein Feiernder, der bewusstlos mit einer an seiner Hand festgebunden Flasche am Boden liegt, auf seinen entblößten Oberkörper hat jemand ein Herz gemalt; eine Gruppe junger nackter Badender erinnert an altmeisterliche Darstellungen aus dem 17. Jahrhundert und spiegelt die Vergnügungsgesellschaft aus der Perspektive vergangener Jahrhunderte.

Am Montag den 16. November titelt die Libération dann „Génération Bataclan“ und zeigt einen Ausschnitt aus einer Menschenmenge. Junge Leute, alle dunkel gekleidet, stehen in Trauer zusammen. Die Titelseite wird in den sozialen Medien aufgegriffen, findet als #generationbataclan Verbreitung. Wer diese Generation nun genau sei und wie sie zu definieren ist, wurde viel diskutiert. Ein junger Mann, namens Matthieu schreibt im Netz: „Da ist meine Generation auf dem Foto zu sehen, mit allem Schönen, was sie zu bieten hat: sie feiert gern, ist kosmopolitisch und frei. ‘Génération Bataclan’ – das sind Leute, die mir nahe stehen: Leute, die Rock hören, im Musikbusiness arbeiten, abends spät schlafen gehen. Die Generation, die gern ‘anstößt’.“(2)
Es geht, wie auch in Andreas Chwatals Bild um eine Generation, die im Frieden aufgewachsen ist, mehrheitlich unpolitisch ist, sich wie selbstverständlich als tolerant bezeichnet und sich plötzlich völlig unerwartet in einer Situation des Konflikts befindet. Trotz großer Gesten findet sich kein Urteil in Andreas Chwatals Bild. Keine vernichtende Konsumkritik, keine offensive Anklage der Medien, aber auch keine Handlungsanweisung. Die sich verzahnenden Elemente der Collage vermitteln eine persönlich wahrgenommene Stimmung, ein Gefühl: das eines größtmöglichen Unwohlseins.

Monika Bayer-Wermuth

(1) Vgl. Hannes Stein: Die Zeit der Sneaker-Morde ist vorbei, 28.07.15, Die Welt, online
(2) http://www.cafebabel.fr/societe/article/couvertures-europeennes-cest-notre-generation-quon-assassine.html

Empfohlen
Andreas Chwatal, Bataclan, 2016, Collage, Tusche, Papier, 246 x 177 cm
Andreas Chwatal, Bataclan, 2016, Collage, Tusche, Papier, 246 x 177 cm
Andreas Chwatal, S11 Le chien / E20 Lieu de drague, 2015, Keramik, 21.2 x 14.4 x 10.1 cm
Andreas Chwatal, S11 Le chien / E20 Lieu de drague, 2015, Keramik, 21.2 x 14.4 x 10.1 cm
Andreas Chwatal, S9 Le Nôtre / E20 Lieu de drague, 2015, Keramik, 19.3 x 4.6 x 20 cm
Andreas Chwatal, S9 Le Nôtre / E20 Lieu de drague, 2015, Keramik, 19.3 x 4.6 x 20 cm
Andreas Chwatal, E20 Lieu de drague, 2015, Keramik
Andreas Chwatal, E20 Lieu de drague, 2015, Keramik
Andreas Chwatal, S4 Le bassin du cygne / E20 Lieu de drague, 2015, Keramik, 22.5 x 12.6 x5 cm
Andreas Chwatal, S4 Le bassin du cygne / E20 Lieu de drague, 2015, Keramik, 22.5 x 12.6 x5 cm
Andreas Chwatal, S6 Le labyrinthe / E20 Lieu de drague, 2015, Keramik, 2-teilig, 38.3 x 39.9 x 25.2 cm
Andreas Chwatal, S6 Le labyrinthe / E20 Lieu de drague, 2015, Keramik, 2-teilig, 38.3 x 39.9 x 25.2 cm
Andreas Chwatal, S2 La cite / E20 Lieu de drague, 2015, Keramik, 20 x 18.5 x 19.2 cm
Andreas Chwatal, S2 La cité / E20 Lieu de drague, 2015, Keramik, 20 x 18.5 x 19.2 cm
Andreas Chwatal, E20 Lieu de drague, 2015, Keramik
Andreas Chwatal, E20 Lieu de drague, 2015, Keramik
Empfohlen

Pariser Szenerien einer Unmöglichkeit von Langeweile. Die Skulpturen von Andreas Chwatal

Pariser Szenerien einer Unmöglichkeit von Langeweile.
Die Skulpturen von Andreas Chwatal

Paris – gemeinsam mit einem Schwan in einem Gewässer schwimmen, als Künstler von Künstlern umgeben leben, Männern beim Duschen zusehen, Labyrinthe durchlaufen, vermummt sein, nackt sein, schlafen, träumen, durch die Tuilerien spazieren, eine Verwandlung beobachten, dem Baum des Wissens begegnen. Wenige Orte regen die Phantasie so intensiv an, wie es die französische Metropole vermag, die so angefüllt ist mit Sehnsüchten nach Glanz und Gefühl, dass die Furcht vor der Enttäuschung als Damoklesschwert über ihr schwebt. Doch auch inmitten ihrer über Generationen angewachsenen Kunstsammlungen und historischen Gebäude- und Gärtenarchitekturen ist der Lärm der Gegenwart deutlich hörbar, eine vielfältige junge Szene trifft sich zum exzessiven Feiern in den Bars des Marais und erwartet gespannt die Abenteuer der Nacht.

Es ist kaum verwunderlich, dass es Andreas Chwatal ausgerechnet an diesen Ort gezogen hat – Paris erfüllt vieles, was für ihn entscheidender Motor seiner künstlerischen Fragestellungen sein kann. Die Stadt ist nicht nur Abbild seines Interesses an theatralen Inszenierungen, seinem Hang zu überladenen Ornamenten und Symbolen, der Anziehungskraft zügelloser Schönheit von Kunst und Architektur; Paris erlaubt ihm gleichzeitig das Eintauchen in eine Halbwelt, die Stadt erfüllt den Drang sich in eine Art Dämmerungszustand zu begeben und sich zwischen äußerlicher Eleganz und innerlicher Hemmungslosigkeit wiederzufinden.

Fasziniert von diesem Kosmos entspinnen sich die Geschichten ausgehend von Paris – Andreas Chwatal überträgt nach seiner Rückkehr die Ideen nun erstmals aus dem Graphischen in die Dreidimensionalität der Skulptur und geht damit einen konsequenten Schritt in seinem Werk weiter. „Lieu de drague“ heißt die Serie der Arbeiten aus Ton, die mit ihrem Überzug anthrazitfarbener Glasur bereits auf den ersten Blick geheimnisvoll, mysteriös wirken und wie in die Nacht getaucht erscheinen. Der Titel verweist auf Treffpunkte der Pariser Schwulenszene, definierte Orte zufälliger Begegnungen, die oftmals im Reiz des scheuen Augenkontaktes verbleiben. „Lieu de drague“, das ist auch die Empfindung einer Momentaufnahme innerhalb des städtischen Raums zwischen Privatheit und Öffentlichkeit, Historie und Gegenwart – Gegenpole, von deren Spannungen auch die Szenerien der Skulpturen von Andreas Chwatal erzählen.

Auf stufigen Sockeln inszeniert, sind die eventuell wiederkehrenden Protagonisten der Skulpturen ihr eigenes Publikum – ein auf dem Sofa sitzender Mann („S 7. La Forteresse“) sieht einem anderen beim Duschen zu („S 14. Les Halles“), einem weiteren beim Durchqueren eines verwunschenen Waldstücks („S 10. Jardin des Plantes“). Oftmals hat man den Eindruck verschiedene Erlebnisse laufen parallel zueinander ab und fügen sich zu einer einzigen Phantasievorstellung zusammen. Und obwohl die Szenen in ihrer Darstellungsform immer einen Realitätsbezug behalten, verbleiben sie doch im Undurchschaubaren. Die permanente Forderung des Betrachters die erzählten Begebenheiten enträtseln zu wollen, bleibt unerfüllbar. So beschreibt es auch ein Text aus Chwatals graphischer Serie „Entgrenzung nach Frankreich“: „Er könnte ihnen aus der Ferne folgen, aber das Dahinter bliebe ihm verborgen wie ein Buch, dessen Zeilen den Blick auf die Seite darunter unmöglich machen. Was folgt, ist die Selbstverständlichkeit eines Woanders, das einfach auftritt.“ („T12 / E21 Entgrenzung nach Frankreich“). In diesem Sinne ist gerade im Verborgenen, im Unergründbaren, im Woanders, die künstlerische Intention der Skulpturen zu erkennen.

Die Beschäftigung mit skulpturalen Arbeiten begründet für das künstlerische Werk Andreas Chwatals eine neue Ebene und dennoch konstruieren sich diese aus einer ähnlichen Herangehensweise wie seine Collagen auf Papier. Denn die Skulpturen verweisen zurück auf die Ideen aus den Zeichnungen und obwohl sich keine dezidierten Vorlagen finden lassen, sind hier viele Konzepte und Motive vorgedacht. Auch formal lässt sich diese Verwandtschaft in den Skulpturen nachvollziehen. Während der Dargestellte in „S 9. Le Notre“ in seiner Körperlichkeit geradezu aus einem Papier herauszuwachsen scheint, verbleibt die Hintergrundzeichnung als schematische Skizze in ihrer flächenhaften Beschaffenheit. Andreas Chwatal spielt mit einer Transformation der Zwei- in die Dreidimensionalität und bearbeitet damit urkünstlerische Prinzipien. Eng verwandt sind die Skulpturen der „Lieu de drague“ mit der etwa zeitgleich entstandenen Zeichnungs- und Textserie „Entgrenzung nach Frankreich“. Die medienübergreifenden Arbeiten beziehen sich aufeinander und verwenden dieselbe Formensprache – ihre größte Gemeinsamkeit besteht allerdings in ihrem zu Grunde liegenden Ideenkosmos, aus dem sie erwachsen sind und dessen Zugang über die Erfahrungen in der Stadt Paris erfolgen kann.
Für Andreas Chwatal öffnet die Übertragung seiner Ideen in skulpturale Arbeiten das Erzählen in eine neue Dimension, indem die Skulpturen den performativen Gedanken seiner Werke verstärken. Es ist zu vermuten, dass dieser Weg nur als Anfang einer Entwicklung zu sehen ist, die noch viel weiter und radikaler gedacht werden wird, um die Grenzen des Kunstschaffens zu hinterfragen und weiter zu dekonstruieren. Nicht mehr weit erscheint ein Aufgang der Erzählungen Andreas Chwatals im Räumlichen.

Susanne M.I. Kaufmann

Empfohlen
Andreas Chwatal, Ausstellungsansicht „FAVORITEN III: Neue Kunst aus München“ Foto: Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, München, Courtesy der Künstler
Andreas Chwatal, Ausstellungsansicht „FAVORITEN III: Neue Kunst aus München“ Foto: Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, München, Courtesy der Künstler
Empfohlen

Miteinander

Miteinander
»Der Dichter, der die Elemente der Schönheit nur nacheinander zeigen könnte, enthält sich daher der Schilderung körperlicher Schönheit, als Schönheit, gänzlich. Er fühlt es, daß diese Elemente, nacheinander geordnet, unmöglich die Wirkung haben können, die sie, nebeneinander geordnet, haben; […]«
Lessing, Laokoon

Lessing macht in seinem Essay über Laokoon vor allem eine Unterscheidung zwischen Dichtung und bildender Kunst stark: Bildende Kunst stellt die Dinge nebeneinander, Dichtung stellt sie nacheinander in eine zeitliche Abfolge. Er plädiert dafür, dass bildende Kunst – bis auf Ausnahmen – keine zeitlichen Abfolgen darstellen sollte und Dichtung – bis auf Ausnahmen – keine optischen Beschreibungen liefern sollte.
Dichtung solle den Reiz der Dinge zeigen, nicht ihre körperliche Schönheit darstellen. Als Beispiel versucht er sich daran, körperliche Schönheit mit Mitteln der Sprache darzustellen und dieses Vorhaben gleichzeitig ad absurdum zu führen:

»Ihr Mund entzücket, nicht weil von eigentümlichem Zinnober bedeckte Lippen zwei Reihen auserlesener Perlen verschließen; sondern weil hier das liebliche Lächeln gebildet wird, welches, für sich schon, ein Paradies auf Erden eröffnet; weil er es ist, aus dem die freundlichen Worte tönen, die jedes rauhe Herz erweichen.«
Lessing, Laokoon

Für Chwatals Arbeit dürften der eigentümliche Zinnober und die zwei Reihen auserlesener Perlen weniger Abschreckung sein als Inspiration. Aus seiner Bildwelt kennt man Bilder, die geradezu wie Sprachträume wirken: Die schweren Ketten laufen über die Bühne.

Andreas Chwatal, Zug fährt, 2007, Pinsel, Tusche, laviert auf Papier, 100 x 70 cm.
Andreas Chwatal, Zug fährt, 2007, Pinsel, Tusche, laviert auf Papier, 100 x 70 cm.

Es ist gewissermaßen die Umkehrung eines Bildes, etwa einer mit schweren Ketten behängte Opernsängerin, in ein sprachliches Bild, das dann direkt gezeichnet wird. Eine bildgewordene Metonymie. Man könnte sich von Chwatal ebensogut die Zeichnung eines Gesichts vorstellen, dessen Mund mit Perlenketten gefüllt ist: Die Lippen verschließen zwei Reihen auserlesener Perlen.
Andersherum sind seine Texte geradezu Bildermanufakturen, in denen man beim Betrachten oder Lesen die Entstehung von Chwatals Bildwelten nachvollziehen kann:

»Die ausgestemmte Beuge des linken Arms und die sich um ihn windenden Adern stützten stramm gedrechselt wie das Zierbein eines sich nach oben auffächernden Konsoltischs den Oberkörper und gaben dem rechten Arm wirklich jede Freiheit.«

Der erste Teil des Bildes aus Chwatals Text T03 Die Exotismen_E21, der adrige Arm als Zierbein eines Tisches, wäre – sofern ich zeichnen könnte – einfach in ein Bild umzusetzen, der zweite eher abstrakte Teil des Freiheitgebens schwieriger:

Tillmann Severin, Zierbein
Tillmann Severin, Zierbein

So wird deutlich, dass sich Texte und Bilder in Chwatals Bild-Text-Schwärmen gegenseitig bedingen. In diesem Text mit seinem Zusammenspiel einer sehr konkreten Bildebene, des Tischbeins, und einer sehr abstrakten, des Freiheitgebens, wird noch etwas anderes sichtbar. Einige Bilder Andreas Chwatals wirken allegorisch, ohne, dass man die Allegorie genau auflösen könnte. Könnte ich besser zeichnen, würde ich versuchen, nicht nur das Tischbein in ein Bild zu bringen, sondern auch das Freiheitgeben. Bei der Bildwerdung des abstrakteren Teils würde eventuell ein Bild entstehen, das der allegorischen Wirkung der Chwatalschen Bildwelten in nichts nachstünde. So ergibt sich bei Chwatal ein komplexes Zusammenspiel zwischen dem Ausdruck abstrakter Ebenen, die kaum mehr entschlüsselbar sind und ganz konkreten sprachlichen Übertragungen, die in ihrer Rückübersetzung komische Effekte erzeugen, wie der wild gewordene Polizist im Wald.

Tillmann Severin

Empfohlen
B4 Zeltlager / E21 Entgrenzung nach Frankreich, 2016, Pinsel, Tusche, laviert auf Papier, 71,4 x 100 cm.
Andreas Chwatal, B4 Zeltlager / E21 Entgrenzung nach Frankreich, 2016, Pinsel, Tusche, laviert auf Papier, 71,4 x 100 cm.
Andreas Chwatal, Ausstellungsansicht „FAVORITEN III: Neue Kunst aus München“ Foto: Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, München, Courtesy der Künstler
Andreas Chwatal, Ausstellungsansicht “FAVORITEN III: Neue Kunst aus München”, Foto: Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, München, Courtesy der Künstler
Empfohlen

Andreas Chwatal – Entgrenzung nach Frankreich

Andreas Chwatal – Entgrenzung nach Frankreich
Challenging Hegel`s notion of the inertia of beauty, its passivity and impotence, Andreas Chwatal questions the postmodernist assumption of the perceived transgressive power of the ugly and obscene as a means to conquer the “real”. The artist paradoxically opts for a truly “post-philosophical” practice, highlighting beauty as the power that enables to deal with reality and using aestheticism to look at problems, rather than look away and pretend they aren`t there. Born in 1982, the artist`s work emerges from a post-postmodernist environment. Understanding the necessity and value of both beauty and ugliness for creation, Andreas Chwatal relies on beauty to break through the ugly, if only for the fact that he “likes beauty better”.

By inverting the opposition – painting beauty when nobody wants to see it – the artist playfully nods to the bias of human perception. This is reflected in the contrast between black and white in his drawings as well as, in a more abstract way, his sculptures.

This year`s paintings of Andreas Chwatal are generally more black than white (with the sculptures displaying a darker, fickle colored shade in-between), prominently featuring basic binary oppositions on different levels (such as the dualisms of black and white or text and artistic works themselves). Considering postmodernism`s obsession with the hierarchical structure of all binary oppositions (with white being perceived as “superior” to black, light preferred to darkness and so on) and its struggle to overcome them, the new darkness can be interpreted in terms of the cultural “other” entering the paintings – a form of embracing the other which ironically reproduces the “new German Willkommenskultur”.

The theme of “Entgrenzung” is also reflected in the presentation, where each sheet is put into a certain context and connects with the paintings located in its immediacy as well as with those farther away. In this way, the tense gaze of the mythological Viking Ragnar Lothbrok is directed not only to the text on its left or the city lying behind it, but also to the darkly idyllic view of the valley, which is the starting point of the whole installation.

The paintings are arranged in the way the images of a dream or the unconscious are; a loose array of images floating over the wall, allowing for an open story.

This arrangement, evoking the schizophrenic nature of the internet, places pictures of `barbaric` violence side by side with a contingent cluster of trivial news, sex, and melodrama. Following this logic of randomness, a football championship or the choice of an actress`s dress are competing for the same amount of attention – and ultimately value – as the atrocities of both terror and the war on terror or the resulting implications for society as a whole.

While the artist is able to determine the arrangement of the individual sheets within the range of his exhibition, he deliberately loses this dominion when the composition dissolves as individual collectors choose a group of paintings, sculptures and / or texts, thereby creating their own story.

On the surface, the aestheticism of the paintings creates a decorative impression which is further intensified by random sprinkles of ornamentation as found in Andreas Chwatal`s “Chinoiseries”. In the 18th century Chinoiseries carried a mere decorative function displaying the acquisition of the other during colonialism. In this sense, Andreas Chwatal`s works are constantly constructing and deconstructing stereotypes that have managed to worm themselves into our collective memory, empowered rather than devitalized by time. Just as the child-like painting of the white horse (which is also a red cape to art) or the occasional medievalism, the Chinoiseries express a vague desire for je ne sais quoi, the unreachable or, as the artist puts it, that which cannot be touched.

However, on the pictorial surface, the aestheticism moves the artist`s paintings within spitting distance of design; an effect boosted by the artist`s attention to details, where the footwear of refugees receives equal attention as the concentration of light in the crowded Hall of Mirrors in Versailles.

Part of the appeal of Andreas Chwatal`s paintings seems to derive from the subtle critique elegantly embedded in the beauty of the details that opens itself only to the careful observer. Causing him to pause, it is exactly the decorative element which decelerates the gaze and, opposing time, invites the viewer to saunter. Confronting him with decidedly naive and only maybe-ironic visions of utopia, Andreas Chwatal`s work celebrates the more tender emotions and longings of the human being while at the same time offering a lot more than that.

Almut Karl

Empfohlen

Die schwer gewordenen Augen

Andreas Chwatal, T1 / E21 Entgrenzung nach Frankreich, 2016, Tusche auf Papier, 39,3 x 34,4 cm
Andreas Chwatal, T1 / E21 Entgrenzung nach Frankreich, 2016, Tusche auf Papier, 39,3 x 34,4 cm
SONY DSC
Andreas Chwatal, B20 Schleuser / E21 Entrgenzung nach Frankreich, 2016, Pinsel, Tusche, laviert auf Papier, 32,4 x 29,3 cm
Tillman Severin, Die schwer gewordenen Augen
Tillman Severin, Die schwer gewordenen Augen
Empfohlen

Die Geschichte der Augen

Die Geschichte der Augen
Andreas Chwatals schwer gewordene Augen haben kein Gewicht. Ihr Blick ist visionär, nicht körperlich. Er bleibt schwebend und für die gesehenen Körper folgenlos, als wären sie aus Glas. Es findet keine Analyse der Gegend statt, sondern eine Synthese des Blicks. Dinge kommen zusammen, die sonst nicht zusammen gehören, sowohl auf der bildlichen Ebene des Sehens als auch auf Ebene der Sprache.
Der Blick ist dabei nicht eigentlich müde im alltagssprachlichen Sinne von »schweren Augen«, sondern hellwach – dem Maler entgeht kein Detail. Doch sein Blick ist nicht nur auf die umliegende Gegend fokussiert, sondern hört beständig auf Klänge, die weder den Boden berühren noch dem Boden entspringen. Der Ursprung des Brodelns und Pfeifens geht weniger durch die farblosen Perlen im Auge als dass er seinen Ursprung hinter dem Tag hat, am Sehnerv, wo kein Licht hindringt.
In dem trägen Moment, in dem die Klänge der visionären Sprache des Hirns an Gewicht gewinnen, kommt eine Bildebene hinzu, die in eine tanzende Bewegung mit der sichtbaren Welt gerät. Der träge Moment des Sehens kommt einer Verflüssigung des optischen Apparates mit sprachlichen Mitteln gleich. Am Ende erstarrt der sprachlich ausgedehnte Moment, der die Zeit zu glasigen Körperoberflächen verflüssigt, die wiederum ein Bild erzeugen. Dem sprachlosen Bild bleibt seine zeitliche Ausdehnung eingeschrieben. Was sie erzählen ist sichtbar, kann aber nicht mehr entziffert werden.

Tillmann Severin

Andreas Chwatal, B17 Reflections in a golden eye / E21 Entgrenzung nach Frankreich, 2016, Pinsel, Tusche, laviert auf Papier, 42 x 59,5 cm

Andreas Chwatal, B17 Reflections in a golden eye / E21 Entgrenzung nach Frankreich, 2016, Pinsel, Tusche, laviert auf Papier, 42 x 59,5 cm
Empfohlen

Das Gewicht der Augen

Das Gewicht der Augen
Erwachsene menschliche Augen bringen zusammen etwa 15 Gramm auf die Waage. Wenn ich die Google-App nach Kuhaugen befrage, bekomme ich nur Angebote für das Okular »Kuhauge« von Leitz. Meine Schätzung für ein richtiges Kuhauge tendiert gegen zehn Gramm pro Stück, was nur ungenau ist. Zum einen weil ich keine Gewichte schätzen kann, zum anderen, weil es eine ganze Weile her ist, dass wir im Biologie-Unterricht Kuhaugen seziert haben, was nicht heißt, dass sie gewichtslos waren, nur, dass es nicht darum ging. Unsere Lehrerin hatte Kuhaugen vom Schlachthof geholt, die von Kleingruppen untersucht werden sollten. Als wir in den Fachraum kamen, fanden wir die Augen in rechteckigen Sezierwannen vor, deren Boden mit einer gelben Wachsschicht überzogen war. Das Gewicht prüften wir nicht.

Stattdessen konzentrierten wir uns zunächst darauf, die Lederhaut um die Iris mit einer spitzen Schere zu durchstoßen, woraus der geléeartige Glaskörper uns über die Hände lief. Im Anschluss galt es mit der gleichen Schere die Lederhaut rund um die Iris zu umschneiden, sodass wir den Glaskörper vollständig ausquetschen und die Linse aus dem Augapfel nehmen konnten. Eine transparente Perle. Sie war eigentlich das Faszinierendste am Auge: Fest und gleichzeitig transparent wie Kunststoff, erinnerte sie eher an ein Industrieprodukt als an ein Körperteil. Ich kann mich gut daran erinnern, wie wir mit der Linse der Kuh die Schrift in den schon verschleimten Zeitungen vergrößerten, in der unsere Biolehrerin die Augen vom Schlachthof geholt hatte. Im Gegensatz zu Kunststoffprodukten wurde die Linse aber irgendwann schrumpelig und feucht und verwischte die Druckerschwärze der Zeitung vollständig.

Nachdem wir mit der Linse fertig waren, wandten wir uns wieder dem ausgdrückten schlaffen Augapfel zu, der jetzt den größten Teil seines Gewichts verloren hatten (wir hatten den schleimigen Glaskörper einfach auf den wächsernen Boden der Sezierschalen geschmiert, wo er nun schwamm). Mit dem Finger konnte man vorne, wo wir die Iris herausgeschnitten hatten, eindringen und hinter dem Augapfel mit der Kuppe die Struktur der Netzhaut erfühlen. Im Dunkel dahinter befand sich der knotige Sehnerv, der die Netzhaut mit dem Hirn verband, und, wie unsere Lehrerin sagte, die Bilder erzeugte. Irgendwann, als die Doppelstunde dem Ende entgegen ging, räumten wir Augen und Überreste zusammen und spülten die Sezierwannen. Als die Zeit zuende war, schmissen wir die leichter gewordenen Überreste der Augen in den Biomüll.

Tillmann Severin

IMG_20160530_193533

Andreas Chwatal, B16 / E21 Entgrenzung nach Frankreich, 2016, Pinsel, Tusche, laviert auf Papier, 32,4 x 29,3 cm

Empfohlen

#flakahaliti

Load More
Empfohlen

Willkommen im Blog FAVORITEN III: Neue Kunst aus München

Favoriten III_(c)IbrahimOeztas

Begleitend zur Ausstellung “FAVORITEN III – Neue Kunst aus München” entsteht bis Ende Oktober ein Blog, der von Woche zu Woche wächst. Die Beiträge erstellen die Künstlerinnen und Künstler selbst; jede Woche übernimmt einer von ihnen die redaktionelle Verantwortung.
Am 1. August 2016 geht’s in dieser Reihenfolge los!

Flaka Haliti
Andreas Chwatal
Robert Crotla
Florian Huth
Babylonia Constantinides
Franz Wanner
Philipp Gufler
Beate Engl
Hedwig Eberle
Stephan Janitzky
Anna McCarthy
Carsten Nolte

Ab November 2016 findet Ihr den gesamten Blog als e-Publikation, grafisch gefasst von Ibrahim Öztaş, auf der Homepage des Lenbachhauses hier.

Diese Woche haben die Künstler noch Pause und wir zeigen Fotos vom Aufbau und der Eröffnung am 25. Juli 2016.

Viel Spaß!

Monika Bayer-Wermuth, Eva Huttenlauch & Stephanie Weber

Ausstellungsansicht, Lenbachhaus, München

Ausstellungsansicht, 2016. Foto: Lenbachhaus, München

Florian Huth, The Big Three (Facebook, Google, Twitter), 2013. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy der Künstler

Florian Huth, The Big Three (Facebook, Google, Twitter), 2013. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy der Künstler

Florian Huth, Void (Woodlands), Still, 2016 Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy der Künstler

Florian Huth & Barbara Herold, Void (Woodlands), Still, 2016 Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy der Künstler

Robert Crotla, Archiv, 2006 - 2008. Foto: Lenbachhaus, München

Robert Crotla, Archiv, 2006 – 2008. Foto: Lenbachhaus, München

Carsten Nolte, Mehrteilige Wandinstallation, 2016. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy der Künstler

Carsten Nolte, Mehrteilige Wandinstallation, 2016. Foto: Lenbachhaus, München.

Beate Engl, Agitator 2.0, 2014. Foto: Lenbachhaus, München, Courtesy die Künstlerin

Beate Engl, Agitator 2.0, 2014. Foto: Lenbachhaus, München, Courtesy die Künstlerin

Ausstellungsansicht, Foto: Lenbachhaus, München

Ausstellungsansicht, Foto: Lenbachhaus, München

Hedwig Eberle o.T. 2015. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy die Künstlerin

Hedwig Eberle o.T. 2015. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy die Künstlerin

Andreas Chwatal, Ausstellungsansicht. Foto: Lenbachhaus, München

Andreas Chwatal, Ausstellungsansicht. Foto: Lenbachhaus, München

Anna McCarthy, H.T.S.A.R. TV (1), 2016. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy die Künstlerin und SPERLING, München.

Anna McCarthy, H.T.S.A.R. TV (1), 2016. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy die Künstlerin und SPERLING, München.

Anna McCarthy, H.T.S.A.R. TV, 2016. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy die Künstlerin und SPERLING, München

Anna McCarthy, H.T.S.A.R. TV, 2016. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy die Künstlerin und SPERLING, München

Stefan Janitzky, Installation "soft power" enthält "time change" und "there is really no alternative", 2016. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy der Künstler

Stephan Janitzky, Installation “soft power” enthält “time change” und “there is really no alternative”, 2016. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy der Künstler

Stephan Janitzky, Installation "soft power" enthält "time change" und "there is really no alternative", 2016. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy der Künstler

Stephan Janitzky, Installation “soft power” enthält “time change” und “there is really no alternative”, 2016. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy der Künstler

Flaka Haliti, Rishika, Grace, Lefa, Kaden, Victoria, Nadja, Leo, Cyril, Mrs. Faye, Malrar, Josias, Ojas, Philip, Ernest, Ziyanda, Ledri, Amadou, Bayanda, Julien, Daniel, Tshego*, Nihal, Oyane, Ms. Dagrou, Anna, Abigail*, Thendive, 2015-2016. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy die Künstlerin und LambdaLambdaLambda

Flaka Haliti, Rishika, Grace, Lefa, Kaden, Victoria, Nadja, Leo, Cyril, Mrs. Faye, Malrar, Josias, Ojas, Philip, Ernest, Ziyanda, Ledri, Amadou, Bayanda, Julien, Daniel, Tshego*, Nihal, Oyane, Ms. Dagrou, Anna, Abigail*, Thendive, 2015-2016. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy die Künstlerin und LambdaLambdaLambda

Flaka, Haliti, Rishika, Grace, Lefa, Kaden, Victoria, Nadja, Leo, Cyril, Mrs. Faye, Malrar, Josias, Ojas, Philip, Ernest, Ziyanda, Ledri, Amadou, Bayanda, Julien, Daniel, Tshego*, Nihal, Oyane, Ms. Dagrou, Anna, Abigail*, Thendive, 2015-2016 Foto: Lenbachhaus, München Courtesy die Künstlerin und LambdaLambdaLambda

Flaka, Haliti, Rishika, Grace, Lefa, Kaden, Victoria, Nadja, Leo, Cyril, Mrs. Faye, Malrar, Josias, Ojas, Philip, Ernest, Ziyanda, Ledri, Amadou, Bayanda, Julien, Daniel, Tshego*, Nihal, Oyane, Ms. Dagrou, Anna, Abigail*, Thendive, 2015-2016 Foto: Lenbachhaus, München Courtesy die Künstlerin und LambdaLambdaLambda

Franz Wanner, Dual-Use, 5-Kanal-Videoinstallation, Dual-Use I–V, 2016. Foto: Lenbachhaus, München.Courtesy der Künstler

Franz Wanner, Dual-Use, 5-Kanal-Videoinstallation, Dual-Use I–V, 2016. Foto: Lenbachhaus, München. Courtesy der Künstler

Die Favoriten-Künstlerinnen und Künstler, v.l.n.r. Philipp Gufler, Stephan Janitzky, Andreas Chwatal, Beate Engl, Anna McCarthy, Carsten Nolte, Franz Wanner, Babylonia Constantinides und Florian Huth. Foto: Lenbachhaus, München.

Die Favoriten-Künstlerinnen und Künstler, v.l.n.r. Philipp Gufler, Stephan Janitzky, Andreas Chwatal, Beate Engl, Anna McCarthy, Carsten Nolte, Franz Wanner, Babylonia Constantinides und Florian Huth. Foto: Lenbachhaus, München.

Ausstellungsgrafik: Ibrahim Öztaş. Foto: Lenbachhaus, München

Ausstellungsgrafik: Ibrahim Öztaş. Foto: Lenbachhaus, München

Ausstellungseröffnung "FAVORITEN III: Neue Kunst aus München", 2016. Foto: Lenbachhaus, München

Ausstellungseröffnung “FAVORITEN III: Neue Kunst aus München”, 2016. Foto: Lenbachhaus, München

Ausstellungseröffnung "FAVORITEN III: Neue Kunst aus München", 2016. Foto: Lenbachhaus, München

Ausstellungseröffnung “FAVORITEN III: Neue Kunst aus München”, 2016. Foto: Lenbachhaus, München

Ausstellungseröffnung " FAVORITEN III: Neue Kunst aus München, 2016. Foto: Lenbachhaus, München

Ausstellungseröffnung ” FAVORITEN III: Neue Kunst aus München, 2016. Foto: Lenbachhaus, München